Werke der Ausstellung (Auswahl)

Natalia Simonenko

Natalia Simonenko wurde im russischen St. Petersburg geboren. Nach dem Abschluss der zentralen Jugendkunstschule der Region St. Petersburg im Jahr 1985 erwarb sie einen weiteren Absschluss am pädagogischen Institut für grafische Kunst F. Gertsen, anno 1992, und 1999 das Diplom an der Kunstakademie I.E. Repin. 2001 wurde sie in die Vereinigung russischer Künstler aufgenommen.
Ihre Einzelausstellungen, 2002 im Russischen Haus in Berlin, führten sie nach Deutschland. Seit ihrer Heirat im Jahr 2011 pendelt sie nun, zwischen St. Petersburg und der baden-württembergischen Landeshauptstadt Stuttgart.

www.natalia-simonenko.com

Ausbildung:

• 1985 Abschluss an der zentralen Jugendkunstschule der Region St. Petersburg
• 1992 Abschluss am Institut für grafische Kunst F. Gertsen
• 1999 Abschluss an der Kunstakademie I.E. Repin
• 2001 Aufnahme in die Vereinigung russischer Künstler

Ausstellungen (Auszug):

• Galerie am Bach, Erlinsbach CH, 2021
• Nacht der Kunst und Auengalerie, Leipzig 2022
• Kunstquartier Leonberg: Begegnungen Künstlergruppe VIDEAMUS 2022
• Galerie Paqué Bonn, Germany 2020
• Galerie Reimus Essen, Germany 2019
• Einzelausstellung Hotel Maritim Stuttgart 5.4. bis 27.6.2018
• Gemeinschaftsausstellung Maritim Hotel, 1.7. bis 30.9.2017
• Acura Kliniken Baden-Baden 23.5. bis 13.8.2017
• Altes Dampfbad, Baden-Baden, Vernissage 10.3.2017
• Weinsalon Kern, 26.1.2017
• Residenzschloss Ludwigsburg, 18.11. until 4.12.2016
• Nacht der Kunst Leipzig 3.9.2016
• AMORC Kulturforum, 3.6 until 2.8.2016
• Schloss Lauenstein, Altenbeg, 20.3. until 29.5.2016
• ART Innsbruck art fair, Austria 27.-31.1.2016
• Personal exhibition at the Art Association in Baden-Baden, Germany 2013
• Personal exhibition at BStU minestery (Gauck Behörde) Dresden, Germany 2012
• Personal exhibition at „Hegau Bodensee Galerie“ Singen, Germany 2012
• Personal exhibition at the museum of castle Rochsburg, Germany 2011
• Christmas exhibition at the Hegau Bodensee Galerie in Singen, Germany 2010
• Personal exhibition at the town museum in Doebeln, Germany 2010
• Art – Manege, Moscow 2010
• Art – Manege, Moscow 2009
• The exhibition at the Museum Savings Bank 2008

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Herzlichst
Gabriele Paqué

Hinweis Parken!
Parkmöglichkeiten in Bonn-Poppelsdorf, ca. 10 Gehminuten von der Blücherstraße entfernt! 

Mittwochs und samstags ist die Galerie von 14-18 Uhr geöffnet.
Nach telefonischer Absprache kann die Ausstellung auch zu anderen Zeiten besichtigt werden.
Blücherstr. 14, 53115 Bonn
Telefon: 0228-41076755

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Video der Ausstellungseröffnung

Presse

Erschienen am 06.05.2023 im General Anzeiger

Liebe Freunde der Kunst,

es ist uns eine große Ehre, Ihnen den Maler Giovanni Pelliccioli (1947-2016) mit der Ausstellung Hinter den Spiralen der Gedanken vorzustellen.

Als Vertreter des Surrealismus stellte Pelliccioli seine Werke erfolgreich in ganz Europa und den USA aus. Aufgewachsen in einfachen Verhältnissen, aber einem liebevollen Elternhaus, entwickelte er bereits in seiner frühen Kindheit eine Leidenschaft für die Kunst. In den ersten Jahren und während des Besuchs der Accademia Carrara in Bergamo, Italien, veränderte sich sein Stil, während er mit verschiedenen Theorien, Techniken und Ideen experimentierte. Im Alter von 17 Jahren wandte er sich der Ölmalerei zu und entdeckte nach einer kurzen impressionistischen Phase den Surrealismus: Er hatte seine Berufung gefunden.

Pellicciolis Werk entwickelte sich weiter und wird häufig in drei Hauptperioden eingeteilt. Die 1. Periode zeichnet sich durch Gemälde aus, deren Themen meist von surrealistischen Malern wie Magritte, Salvador Dalì, Max Ernst, Yves Tanguy und anderen Malern inspiriert sind. In den Gemälden der 2. Periode deuten sich bereits die ersten Anzeichen von Giovanni Pellicciolis eigenem Stil an, wobei neue geistige Konzeptionen und symbolische Objekte als Leitmotiv in den Vordergrund rücken. Die Entwicklung neuartiger innovativer Ausdrucksformen läutet schließlich die 3. Schaffensperiode ein. Es ist die kreativste Periode seiner Karriere, in der die Ironie zum zentralen Thema seines Schaffens wird. Es ist auch die Zeit, in der der Künstler beginnt, neue Materialien wie Holz, Metall, Glas und andere natürliche Objekte (Blattgerippe und Steine) zu verwenden, die seinen Werken eine skulpturale Dimension verleihen. Auch der „Trompe-l’œil„-Effekt wird zu einem wiederkehrenden Element. Als er 1993 nach Antibes (Côte d’Azur) zog, schuf Pelliccioli das „Dreieck“: ein diagonal geschnittenes Gemälde mit dreidimensionalem Charakter. Insgesamt sollten so mehr als 2000 Ölgemälde entstehen.

Für diese Ausstellung wurde eine Auswahl von über 40 Gemälden zusammengestellt, die einen breiten Überblick über sein künstlerisches Schaffen bietet. Wir freuen uns auf Ihren Besuch und laden Sie ein zu einer Reise in eine Welt zwischen Traum und Wirklichkeit.

Die Ausstellung kann bis zum 15.07.2023 immer mittwochs und samstags zwischen 14:00 und 18:00 Uhr besichtigt werden.

Wir freuen uns auch, wieder die Pianistin und Tochter des Künstlers Ida Pelliccioli in unserer Galerie begrüßen zu dürfen. Für die Ausstellungseröffnung hat sie ein spannendes Programm unter dem Titel Introspektionen mit Werken von J. Sibelius, J. Brahms. F. Busoni, L. Janáček und S. Rachmaninov zusammengestellt. Weitere Details zum Konzert und die Anmeldung finden Sie hier.

Ausstellungsdauer: 22.04. – 15.07.2023
mittwochs und samstags von 14:00 bis 18:00 Uhr (an Konzerttagen bis 17:00 Uhr)

22. April 2023

Musikstudio & Galerie: Gabriele Paqué
Blücherstraße 14
53115 Bonn

Galerie ab 15:00 Uhr geöffnet

15:30 Uhr: Konzert

Ida Pelliccioli (Klavier) präsentiert „Introspektionen„: Werke von J. Sibelius, J. Brahms. F. Busoni, L. Janáček und S. Rachmaninov

Eintritt: 20,- €
Weitere Informationen und die Anmeldung zum Konzert finden Sie hier.

17:00 Uhr: Eröffnung der Ausstellung

Sonderöffnung der Ausstellung am 23.04.2023 zwischen 12:00 und 16:00 Uhr.

Werke der Ausstellung (Auswahl)

Giovanni Pelliccioli

Foto: privat

Giovanni Pelliccioli wurde in San Pellegrino Terme (Italien) geboren. Mit 10 Jahren beginnt er zu zeichnen und bald darauf zu malen – Stillleben und Landschaften. Mit 18 Jahren besucht er die Kunstschule der Akademie Carrara in Bergamo. Mit 21 entdeckt er den Surrealismus, einen Stil, den er nie aufgeben wird, und beginnt seine berufliche Laufbahn.

Im Laufe seines Lebens hat er etwa 120 persönliche Ausstellungen in Europa präsentiert. Er ist in den wichtigsten Museen der Welt als Künstler registriert.

„Es ist unmöglich, vielleicht sogar blasphemisch, ein Kunstwerk zu kommentieren. Nur die Augen und eine bestimmte geistige Haltung können uns erlauben, uns vor eine Leinwand zu stellen. Das Wort ist nicht nur willkürlich, sondern auch beleidigend und lächerlich, und es besteht immer die Gefahr, dass es das, was die Leinwand ausdrücken kann, überlagert. Wie immer geht es mir darum, Poesie mit einem Hauch von Ironie zu schaffen, positive Emotionen hervorzurufen und die Gemüter zu erheitern. Das Fantastische, der Traum, das Gefühl, nicht logisch zu sein, sind einfach eine freie Interpretation unseres Seins.“

EINZELAUSSTELLUNGEN (Auswahl)

• Galerie Nicole Sandor (Fontgombault Loire), Frankreich – 1990
• Hotel Excelsior S. Marco (Bergamo), Italien – 1990
• Gemeinde-Freizeitzentrum (Mozzo), Italien – 1993
• B.N.P. (Antibes), Frankreich – 1993
• Hotel Martinez (Cannes), Frankreich – 1994
• Galerie Les Beaux Artes (Düsseldorf), Deutschland – 1994
• Galerie De Carmes (Rouen), Frankreich – 1995
• B.N.P. (Paris), Frankreich – 1995
• Hotel Holiday Inn (Frankfurt), Deutschland – 1996
• Interior-Galleriet (Oslo), Norwegen – 1996
• Musée Naval Napoleonien (Antibes), Frankreich – 1996
• Ausstellung Salo BMW (Usingen), Deutschland – 1996
• Les Bain Douches (Antibes), Frankreich – 1999
• Chateau du Pont de la Meurthe (Nancy), Frankreich – 1999
• Chateau de Trousse Barriere (Orleans), Frankreich – 1999
• Centro Parrochiale Mozzo (Bergamo), Italien – 1999
• La conca verde (Ivrea), Frankreich – 2000
• EUR 2000 (Rom), Italien – 2000
• Centre International d’Art Modern (Nizza), Frankreich – 2000
• Valpelline le lievre amoureux (Aosta), Italien – 2000
• Chateau de Saint Max (Nantes), Frankreich -2001
• Interieur Galleriet (Oslo), Norwegen – 2001
• Amadeus (Sophia Antipolis), Frankreich -2001
• Bürgersaal in der Via Piatti (Ponte San Pietro), Italien – 2001
• Palazzo Boselli (San Giovanni Bianco), Italien – 2001
• Bürgersaal Carlo Cattaneo (Curno), Italien – 2001
• Kapelle von Lourdes (Mozzo), Italien -2002
• Hotel Cappello d’Oro (Bergamo), Italien – 2003
• Chateau de Saint Max (Nancy), Frankreich – 2004
• Selvino, Italien – 2004
• Galleria Ponte Vecchio (Florenz), Italien – 2005
• Interieur Galleriet (Oslo), Norwegen – 2006
• Serina, Italien – 2006
• Chateau de Saint Max (Nancy), Frankreich – 2007
• Proloco (Piazza Brembana), Italien – 2008
• Mairie du 7e Arrondissement (Paris), Frankreich – 2009
• Kasino (San Pellegrino Terme), Italien – 2009
• Museum des Tals (Zogno), Italien – 2009
• Kloster von Lavello (Calolziocorte), Italien – 2010
• Aeroporte Côte d’Azur (Nizza), Frankreich – 2011
• Salon Tous a l’Art (Nizza), Frankreich – 2011
• Artexpo (New York), USA – 2012
• Musikstudio und Galerie: Gabriele Paqué (Bonn), Deutschland – 2023

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Herzlichst
Gabriele Paqué

Hinweis Parken!
Parkmöglichkeiten in Bonn-Poppelsdorf, ca. 10 Gehminuten von der Blücherstraße entfernt! 

Aktuelle Ausstellung: Giovanni Pelliccioli – Hinter den Spiralen der Gedanken
Mittwochs und samstags ist die Galerie von 14-18 Uhr geöffnet.
Nach telefonischer Absprache kann die Ausstellung auch zu anderen Zeiten besichtigt werden.
Blücherstr. 14, 53115 Bonn
Telefon: 0228-41076755

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Update 12.09.2022

Am 10. September 2022 fand die lang ersehnte Vernissage „front line“ von Julia Dauksza statt.

Eingeleitet wurde sie durch ein phänomenales Konzert des jungen Pianisten Jeongro Park aus Südkorea. Ein wahrer Ohrenschmaus, der mit Liszts „Totentanz“ seinen krönenden Abschluss fand.

Wenig später fand bei Sektempfang die Eröffnung statt, bei der Julia dem Publikum in einem spannenden Interview interessante Hintergründe zu sich und ihrer Kunst offenbarte. Welche Rolle spielen Träume in ihrer Kunst? Was hat es mit der Verschmelzung abstrakter und figurativer Malerei auf sich? Woher stammt der Titel dieser Ausstellung? All diese und weitere Fragen können Sie Julia natürlich gerne auch selbst stellen, etwa bei einer weiteren meet-and-greet-Runde, zu der wir Sie natürlich wieder rechtzeitig informieren werden.

Nun erst einmal viel Spaß beim Durchstöbern der Eindrücke dieses phänomenalen Events!

Presse

Bilder der Eröffnung

Liebe Freunde der Kunst,

wir sind hocherfreut, Ihnen Julia Dauksza vorstellen zu dürfen.

Die in Düsseldorf lebende und arbeitende junge Künstlerin fasziniert mit Werken, die Träumen entrissen zu sein scheinen und eine neue Perspektive auf unsere Welt bieten. Julia Dauksza war bereits vierlerorts zu sehen, darunter in New York (USA), Seoul (Süd-Korea), Istanbul (Türkei), Paris (Frankreich), Kattowitz (Polen) und natürlich in vielen deutschen Städten, worunter sich fortan auch Bonn wiederfinden wird.

Vorab erwartet uns ein Konzert des süd-koreanischen Pianisten Jeongro Park mit Werken von L. v. Beethoven, R. Schumann und F. Liszt. Es wird um eine Spende von min. 15,- € pro Person gebeten. Weitere Informationen zum Konzert finden Sie hier.

Die Teilnahme an der Vernissage ist kostenlos.

10. September 2022

Musikstudio & Galerie: Gabriele Paqué
Blücherstraße 14
53115 Bonn

Galerie ab 15 Uhr geöffnet

15:30 Uhr: Konzert

Jeongro Park (Klavier) präsentiert Werke von L. v. Beethoven, R. Schumann und F. Liszt

Eintritt: Es wird um eine Spende von min. 15,- € pro Person gebeten
Weitere Informationen und die Anmeldung zum Konzert finden Sie hier.

17:00 Uhr: Eröffnung der Ausstellung mit der Künstlerin

Infos zu den geltenden Hygieneregeln und Zugangsbeschränkungen finden Sie hier.

Werke der Ausstellung (Auswahl)

Julia Dauksza

Foto: Valeriia Kompaniets

Nach zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen mitunter in New York, Paris und Istanbul, dürfen wir die Künstlerin nun in Bonn begrüßen.

Einzelausstellungen

2021  AUTOBAHN DER FREIHEIT Galerie Wohlfarth, Duisburg
2019  DISCO SOLARE Galerie Pollmeier, Düsseldorf
2019  MUSTANG  Galerie Norbert Arns, Köln
2017  DAUKSZA Galerie Norbert Arns, Köln
2017  SALAD DAYS  Industriehalle Im Taubental 30, 41468 Neuss
2013  GREY MOTORS Galeria Szyb Wilson, Katowice/Polen
2011  JULIA DAUKSZA PEINTURES Galerie Roi Dore, Paris/Frankreich
2011  HOUNDS OF LOVE Raumkalk, Köln
2009  IN FOCUS Schreier & von Metternich fine arts, Düsseldorf

Gruppenausstellungen

 2021  FROM MARCH TO MARCH  Galerie Norbert Arns, Köln
2015  SIGHT | SITE | CITE  Outlet Gallery Brooklyn,  New York/USA
2014  KISA KES ASLANIM! Bimisal Gallery, Istanbul/Türkei
2011  CHASSÉS DU PARADIS Galerie Roi Dore, Paris/Frankreich
2011  BALLROOM POUNCHD II  Theatre Lavoir Moderne Parisien, Paris/Frankreich
2010  BALLROOM POUNCHD Theatre Lavoir Moderne Parisien, Paris/Frankreich

Performances

 2011  Chineselightbulb “MILKFED KID” Kulturbunker, Köln
2010  Chineselightbulb “YOU $ ME” 6. Koelner Musiknacht, Stadtgarten, Köln

Gruppenperformances

2015  MOCKINGBIRDS Bulgasari at Yogiga Expression Gallery, Seoul/Südkorea
2010  Chineselightbulb/Thickly Painted Walls  “BALLROOM POUNCHD” LMP, Lavoir Moderne Parisien, Paris/Frankreich
2010  Chineselightbulb/Thickly Painted Walls  – “SCHNAGEN” Salon des Amateurs,Düsseldorf

Sammlungen

Sammlung Wohlfarth, Duisburg
Haslla Museum, Gangneung/Südkorea

Ich freue mich auf Ihren Besuch!

Herzlichst
Gabriele Paqué

Hinweis Parken!
Parkmöglichkeiten in Bonn-Poppelsdorf, ca. 10 Gehminuten von der Blücherstraße entfernt! 

Aktuelle Ausstellung: Julia Dauksza – front line
Samtags ist die Galerie von 14-18 Uhr geöffnet.
Nach telefonischer Absprache kann die Ausstellung auch zu anderen Zeiten besichtigt werden.
Blücherstr. 14, 53115 Bonn
Telefon: 0228-41076755

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Update vom 27.04.2020

Liebe Kunst und Musikfreunde,

Am Samstag fand eine kleine Premiere in unserem Musikstudio statt: Eine Vernissage ohne Gäste, dafür aber mit einem ganzen Aufgebot an Technik. Mit nicht weniger als 4 Kameras wurden Interviews sowie ein kleines Klavierkonzert aufgenommen.

Ausstellungsdauer:
25.04. – 29.08.2020

Den musikalischen Teil übernahm Yizhuo Meng, die eine wunderbare Interpretation des 1. Satzes der Mondscheinsonate sowie dem Werk “Les Adieux” von Beethoven erklingen ließ. Das Konzert in voller Länge finden Sie hier:

Zu Gesprächen standen die beiden Künstler Milena Kunz-Bijno und Michael Tauchert, beide aus Bonn, bereit. Michael Tauchert ist zum ersten Mal im Musikstudio vertreten und für das Beethovenjahr fertigte der Bildhauer, in Anlehnung an die 9. Symphonie, 9 einzigartige Holzskulpturen des großen Komponisten an. Die teils bunten Figuren stechen besonders durch ihre Mischung aus Erhabenheit und Witz ins Auge. So nutzte der Künstler beispielsweise eine Astgabelung, um dem Komponisten ein gewaltiges Hörrohr zu verpassen. Das Interview mit Herrn Tauchert finden Sie hier:

Milena Kunz-Bijno war bereits vor 9 Jahren schon einmal im Musikstudio vertreten und nun freuen wir uns sehr, dass sie wieder bei uns ausstellt und von nun an zudem von unserer Galerie vertreten wird! Ihre Bilder, Kollagen und Skulpturen strahlen in meist monochromen Farbkompositionen eine meditative Ruhe aus. Ein beliebtes Motiv ist seit jeher für sie die Musik, die sie zum Beispiel durch geschickt eingearbeitete Notenblätter in ihre Werke einfließen lässt. Für sie ist die Musik durch ihre Immaterialität eines der höchst entwickelten Medien der Kunst überhaupt. Auch die Spiritualität spielt für die sehr belesene und welterfahrene Künstlerin eine außerordentlich wichtige Rolle. Man findet in ihren Werken Motive verschiedenster Religionen, die für sie, genau wie die Musik, eines zum Ausdruck bringen: so verschieden wir auch sein mögen, es gibt allgemeine Wahrheiten, die jeden Menschen betreffen, wie etwa das Bedürfnis nach Liebe, Geborgenheit und Ästhetik. Hier können Sie sich das Interview mit der Künstlerin ansehen:

Otto von Kotzebue begleitet unsere Galerie schon seit 2012. Bekannt geworden ist er bei uns durch seine atmosphärischen Ölgemälde und Aquarelle von fernen und nahen Ländern. Für diese Ausstellung ging der Münchener Künstler einen anderen Weg und fertigte diesmal eine Sammlung von Kollagen, verbunden mit Aquarellmalerei und Tuschzeichnungen, von Bonner Wahrzeichen an. Die Aussage seiner Bilder bleibt aber dieselbe: im Fokus steht nicht die naturgetreue Abbildung, sondern das Gefühl, das der Künstler mit dem Ort verbindet.

Maria Dierker hatte 2017 ihre erste Vernissage in unseren Räumlichkeiten. Ihre meist schwarz-weißen Gemälde und Tuschzeichnungen stellen in verschiedenen Formen die Natur dar, wobei ihre Technik an die fernöstliche Kalligraphie angelehnt ist. Im Fokus ihres Schaffens steht das Thema “Werden-Sein-Vergehen”: sie zeigt die Natur in ihrer Schönheit, Verletzlichkeit und in ihrer Urgewalt. Gleichzeitig mahnt sie dazu, die Natur mit Respekt zu behandeln, denn eines steht fest: wer die Zeichen der Zeit missachtet, wird eines Tages mit einer Katastrophe rechnen müssen.
Für Maria Dierker stehen Natur und Musik in tiefer Verbundenheit zueinander. Dies sah unter anderem Beethoven genauso, der etwa sagte: “Ist es doch, als ob jeder Baum zu mir spräche auf dem Lande: Heilig, heilig! Jeder Baum spricht durch dich, oh Gott. Süße Stille des Waldes.”
Für diese Ausstellung stellte sie zwei Frottagen, sogenannte “Baumpartituren“, bereit sowie zwei Gemälde aus dem Werkzyklus “Der Baum“. Das Besondere an den Baumpartituren ist, dass sie in einer Gegend entstanden sind, wo Beethoven häufig entlanggegangen sein soll. Die Werke entstehen, indem die Künstlerin die Rinde eines Baumes auf chinesischem Reispapier abpaust und anschließend das Bild weiter bearbeitet. Was dabei entsteht, ist einer Partitur tatsächlich zum verwechseln ähnlich.

Antonio Máro wird auch schon seit 2013 durch uns vertreten. Tatsächlich handelt es sich bei diesem Namen um ein Pseudonym, denn für die Werke sind die beiden Künstler Apolo und Rafael Ramirez, Vater und Sohn, verantwortlich. Leider können wir deren Werke, die Sie für diese Vernissage bereitgestellt haben, momentan noch nicht ausstellen, da die beiden Künstler in Belgien wohnen und die Grenzen momentan noch geschlossen sind. Freuen können wir uns anhand der Abbildungen von den Werken aber allemal: passend zur Mondscheinsonate von Beethoven werden wir zwei Gemälde ausstellen, die das für Antonio Máro bekannte Motiv des Mondes darstellen. Ein weiteres abstraktes Gemälde bezieht sich auf Beethovens 9. Symphonie.

Alejandro DeCinti, der seit 2015 nun schon das dritte Mal bei uns vertreten ist, steuert zur Ausstellung seine Darstellung des Prometheus dar, ein Thema das bekanntlich auch von Beethoven vertont wurde. Der aus Chile stammende Maler lebt und arbeitet seit 2002 in Madrid, Spanien. In diesem wie auch in seinen übrigen Werken reflektiert DeCinti die universelle Kultur und Spiritualität, die in der amerikanischen und chilenischen Identität enthalten sind und verbindet sie mit klassischen Motiven. Auch dieses Bild wird an einem späteren Termin erst in dieser Ausstellung vertreten sein.

Das Interview mit dem Künstler ist im Interview mit Antonio Máro enthalten.

Rafael Ramirez Máro, der mit bürgerlichen Namen Peter Ramirez heißt, hat sich für diese Ausstellung ebenfalls etwas Besonderes ausgedacht. So malte er zwei Porträts von Beethoven anhand der im Beethovenhaus befindlichen Lebend- und Totenmasken. Eine so realitätsgetreue Darstellung gab es sicher schon seit Langem nicht mehr.

“(…) Ramírez´ Malerei lebt von tiefen Empfindungen und deren künstlerischer Darstellung. In seinen Werken offenbart sich das Staunen über die grenzenlosen Möglichkeiten der Kunst, Zeiten und Räume zu überwinden und in Tiefen vorzudringen, die dem oberflächlichen Blick verborgen bleiben. Die Ergriffenheit von der suggestiven Kraft der Farbe und der Form teilt sich dem Betrachter mit. Um die Möglichkeit des Nach-empfindens, des in sich Aufnehmens von Gefühlen über Räume und Zeiten hinweg, geht es. Der Maler lenkt den Blick auf das Detail, auf unscheinbare Gesten, die in einem Drama ebenso zum Ausdruck kommen wie in einer musikalischen Komposition oder im Tanzschritt einer Flamencotänzerin, den der Künstler mit kennerhaftem Blick einfängt. Er inszeniert Schlüsselszenen, die den Sinn des Daseins offenzulegen scheinen(…)”

Dr. Helmut Orpel

Das Interview mit dem Künstler ist im Interview mit Antonio Máro enthalten.

Weitere Fotos

Samstag, 18. Januar 2020

Musikstudio & Galerie: Gabriele Paqué
Blücherstraße 14
53115 Bonn

Die Künstlerin ist anwesend

15:30 Uhr: klassisches Konzert

mit Georgy Voylochnikov. Eintritt frei – Spende erbeten!
Weitere Informationen zum Konzert finden Sie weiter unten.

–

Interview mit der Künstlerin.
um 17 Uhr

Die Künstlerin ist anwesend!

Werke der Ausstellung

Programm:

Pyotr Tschaikowski (1840-1893)
Aus den Jahreszeiten. Nr. 1, Januar

Sergey Rachmaninov (1873-1943)
Prelude fis-moll op. 23 Nr. 1
Prelude b-moll op. 32 Nr. 2
Lilacs op. 21 Nr. 5

Alexander Scriabin (1871-1915)
6 Preluden op. 13
Walzer in As-dur op. 38

Sergey Rachmaninov (1873-1943)
Etude-Tableau es-moll op. 39 Nr. 5

Nikolai Medtner (1880-1951)
Primavera B-dur op. 39 Nr. 3

Alexander Scriabin (1871-1915)
Etude cis-moll op. 2
5 Preluden op. 74

Rodion Shchedrin (*1932)
Humoresque

Der Eintritt ist frei!
Um eine Spende für den Musiker wird gebeten.

Natalia Simonenko

Ausbildung:

• 1985 Abschluss an der zentralen Jugendkunstschule der Region St. Petersburg
• 1992 Abschluss am Institut für grafische Kunst F. Gertsen
• 1999 Abschluss an der Kunstakademie I.E. Repin
• 2001 Aufnahme in die Vereinigung russischer Künstler

Ausstellungen:

• 2020 Einzelausstellung Galerie Paqué, Bonn
• 2020 Teilnahme Neue ArT, Dresden
• 2019 Teilnahme ARTS19, Paris
• 2019 Teilnahme altonale Kunstherbst, Hamburg
• 2019 Teilnahme an „Kunst baut Brücken“, Městská galerie, Karlsbad/CZ
• 2019 Einzelausstellung Kompetenzzentrum Forst
• 2019 Teilnahme an der ART Endingen
• 2019 Ausstellung mit R. Vallendor und G. Bordich im Schloss Bruchsal
• 2019 Einzelausstellung im Fruchtkasten des Klosters Maulbronn
• 2019 Teilnahme an der art3f Luxembourg
• 2019 Einzelausstellung in der Galerie Dagmar Reimus, Essen
• 2019 Teilnahme an der Neue ArT Dresden
• 2018 Ausstellung mit Nicolai Lagoida in der Hegau-Bodensee-Galerie, Singen
• 2018 Teilnahme an der arte bininngen (Basel), Schweiz
• 2018 Ausstellung im Europa-Haus Klagenfurt, Österreich
• 2018 Ausstellung mit Tatyana Reshetkinova im Residenzschloss Ludwigsburg
• 2018 Ausstellung mit Aurelie Staiger im Café Künstlerbund, Stuttgart
• 2018 Einzelausstellung Galerie Art & Antik, Stuttgart
• 2018 Teilnahme NDK und Ausstellung in der Auengalerie, Leipzig
• 2018 Teilnahme Kunsttage Waldbronn
• 2018 Teilnahme an der ART Endingen
• 2018 Galerie Wendelinskapelle, Marbach
• 2018 Einzelausstellung Gohliser Schlösschen Leipzig
• 2018 Château de la Chaussée, Brains sur Allonnes (Loire)
• 2018 Teilnahme Ausstellung „Begegnungen“, Leipzig
• 2018 Einzelausstellung Hotel Maritim Stuttgart
• 2018 Teilnahme Jubiläumsausstellung der MKG München
• 2018 Teilnahme an der art3f Paris
• 2018 Teilnahme an der Neue ArT Dresden
• 2017 Teilnahme an der arte bininngen (Basel), Schweiz
• 2017 Einzelausstellung im Finanz- und Landesarbeitsgericht Stuttgart
• 2017 Teilnahme Ausstellung in der Auengalerie, Leipzig-Lützschena
• 2017 Teilnahme an der ART Endingen
• 2017 Einzelausstellung in der Acura-Klinik, Baden-Baden
• 2017 Ausstellung mit G. Bordich im „Alten Dampfbad“, Baden-Baden
• 2017 Einzelausstellung im Weinsalon Kern, Kernen
• 2017 Teilnahme an der ARTe Sindelfingen
• 2016 Einzelausstellung im Residenzschloss Ludwigsburg
• 2016 Teilnahme Ausstellung in der Auengalerie, Leipzig-Lützschena
• 2016 Ausstellung im Kunsttreff Quiddezentrum, München
• 2016 Ausstellung Galerie Kass, Innsbruck
• 2016 Einzelausstellung im AMORC Kulturforum, Baden-Baden
• 2016 Einzelausstellung im Schloss Lauenstein, Altenberg
• 2016 Teilnahme an der ART Innsbruck, Österreich
• 2015 Einzelausstellung in der Galerie Taikinu, Fellbach
• 2015 Einzelausstellung in der Galerie Dagmar Reimus, Essen
• 2015 Gemeinschaftsausstellung im Zuckerbergschloss, Kappelrodeck
• 2015 Einzelausstellung José Carreras Haus, Universitätsklinikum, Leipzig
• 2015 Einzelausstellung Mädlervilla, Leipzig
• 2015 Einzelausstellung im Alten Dampfbad, Baden-Baden
• 2014 Einzelausstellung im ost-west-forum, Gut Gödelitz e.V.
• 2014 Einzelausstellung im Schloss Altranstädt, Markranstädt
• 2014 Einzelausstellung im mdr Mitteldeutscher Rundfunk, Leipzig
• 2013 Doppelausstellung in der Galerie Brandmatt, Baden-Baden
• 2013 Einzelausstellung im Schloss Altenhain, Trebsen
• 2013 Einzelausstellung im Kunstverein Baden-Baden
• 2012 Einzelausstellung in der BSTU-Dresden (Gauck-Behörde), Dresden
• 2012 Einzelausstellung in der Hegau-Bodensee Galerie, Singen
• 2011 Einzelausstellung in der Galerie Babylon, Samara, Russland
• 2011 Einzelausstellung im Museum Schloss Rochsburg, Lunzenau
• 2010 Einzelausstellung im städtisches Museum der Stadt Döbeln
• 2010 Teilnahme an der Biennale Art-Moskwa in Moskau, Russland
• 2009 Einzelausstellung im Museum der russischen Zentralbank in St. Petersburg
• 2008 Einzellausstellung in der Galerie Art Izba in Moskau, Russland
• 2007 Teilnahme an der Ausstellung russischer Künstler in Los Angeles, USA
• 2006 Teilnahme am Wohltätigkeitsverkauf für das Waisenkinder-Hilfswerk in Moskau
• 2006 Teilnahme an der internationalen Biennale in Domburg und Antwerpen, Holland
• 2005 Einzelausstellung in Gouda, Holland
• 2004 Einzelausstellung im zentralen Künstlerhaus in Moskau
• 2003 Ausstellung zum 100.jährigen Bestehens der Eisenbahnlinie St. Petersburg – Moskau. Ihre Bilder wurden vom Eisenbahnmuseum erworben und sind dort ausgestellt.
• 2003 Ausstellung in Berlin anlässlich des 300. Geburtstages von St. Petersburg
• 2002 Einzelausstellung im Russischen Haus in Berlin
• 2000 Einzelausstellung in der Galerie der Vereinigung russischer Künstler in St. Petersburg

Georgy Voylochnikov

“A sincere reading of Scriabin’s music … very subtle, sensual, sublime”
(Prof. Mikhail Voskresensky, Vorsitzender des 4. Internationalen Skrjabin-Wettbewerbs in Moskau).

Georgy Voylochnikov wurde 1985 in Voronezh in eine Musikerfamilie geboren und erhielt seinen ersten Klavierunterricht im Alter von drei Jahre von seinem Vater. Mit acht Jahren erhielt er Unterricht von Valery Volkov an der zentralen Musikschule in Voronezh.
Von 2002 bis 2006 studierte er am Gnessins Musical College in Moskau in der Klasse des berühmten Professors Andrey Khitruk. In diesem Zeitraum gewann er den 3. Preis beim Wettbewerb All-Russian Competition for Young Pianists in Voronezh und den 2. Preis (der 1. Preis wurde nicht vergeben) beim Dritten Gnessin gewidmeten Klavierwettbewerb in Moskau. Im Jahr 2006 begann er am Moskauer Tschaikowsky Konservatorium zu studieren unter der Leitung vom herausragenden Pianisten und Preisträger des Tschaikowsky-Wettbewerbs und Queen Elizabeth Competition Stanislav Igolinsky. Bei ihm setzte Georgy sein postgraduales Studium fort und gewann zugleich mehrere Preise bei renommierten Wettbewerben wie etwa der Takamatsu International Piano Competition in Japan, dem “Premi Principat d’Andorra” und bei dem Internationalen Scriabin-Wettbewerb in Moskau. 2014 machte Georgy Voylochnikov sein Konzertexamen an der Hochschule für Musik und Tanz Köln in der Klasse vom Professor Ilja Scheps.
Zu den zahlreichen in den letzten Jahren gewonnenen Preise gehören unter anderem der Internationale Musikwettbewerb Köln (1. Preis und Publikumspreis), der Karl-Robert Kreiten Musikwettbewerb in Aachen (1. Preis), die Istanbul Orchestra Sion International Piano Competition (2. Preis), der Internationaler Klavierwettbewerb Geilenkirchen (3. Preis) und die Spanish Composers International Piano Competition in Madrid (3. Preis). Außerdem ist er Halbfinalist beim UNISA Internationalen Wettbewerb in Pretoria (Südafrika), bei der Telekom Beethoven International Piano Competition in Bonn, beim Internationalen Schubert-Wettbewerb in Dortmund und er wurde 2015 für die Tschaikowsky International Piano Competition ausgewählt. Er ist sowohl in seiner Heimat Russland als auch in der Ukraine, in Japan und in den meisten europäischen Ländern als Solist und mit verschiedenen Ensembles aufgetreten. Zudem wurde er anlässlich des 200. Todestages von Frédéric Chopin eingeladen, beim Chopin Festival in Gdansk  teilzunehmen.

Ich freue mich auf Ihren Besuch!

Herzlichst
Gabriele Paqué

Hinweis Parken!
Parkmöglichkeiten in Bonn-Poppelsdorf, ca. 10 Gehminuten von der Blücherstraße entfernt! 

Das nächste Konzert findet am 01. Februar 2020 um 17:00 Uhr statt:
Lisa Shklyaver (Klarinette) und Georgy Voylochnikov (Klavier) spielen Werke von L. v. Beethoven, A. Borodin, A. Gretschaninov, A. Berg, I. Stravinsky und
J. Brahms

Aktuelle Ausstellung: Natalia Simonenko präsentiert “Ein Lied der Träume”
Samtags ist die Galerie von 14-18 Uhr geöffnet.
Nach telefonischer Absprache kann die Ausstellung auch zu anderen Zeiten besichtigt werden.
Blücherstr. 14, 53115 Bonn
Telefon: 0228-41076755

By paqueklavier Dienstag, der 6. August 2019

Liebe Freunde der Musik und Kunst,

Am Samstag, den 14. September 2019 fand die Vernissage des Künstlers Victor Shtivelberg statt, der seine Ausstellung “Watching and Listening” präsentierte.
Der in Lindau lebende Künstler verwandelte das gesamte Studio in ein kleines Museum mit der Mannigfaltigkeit an Werken, die durch die verschiedenen Techniken den Eindruck erwecken, als würde nicht nur ein Künstler, sondern gleich mehrere hier ausstellen.
Victor Shtivelberg auf eine spezielle Kunstrichtung festzulegen ist demnach fruchtlos, jedoch auf einer anderen Weise, als man anfangs denken mag. Sieht der Betrachter verschiedene Elemente des Surrealismus, Symbolismus und Realismus in den Werken versteckt, so hat er sicher nicht ganz unrecht, da sicherlich solche Elemente in seinen Werken enthalten sind. Doch hierauf kommt es letztlich nicht an. Victor Shtivelberg möchte nicht einer bestimmten Kunstrichtung angehören und auch vom allgemeinen Treiben in der Kunstszene hält er nicht viel. Seit Ende seines Studiums 1987 in seiner Geburtsstadt Odessa (Ukraine) beschritt der Künstler bewusst eigene Wege.
Waren es am Anfang noch vor allem Grafiken, die der Künstler produzierte, sind mittlerweile auch Techniken wie Öl, Wasserfarben, Gouache und Pastelle in seinen Werken vertreten, die er in meisterhafter Präzision anwendet. Die Motive seiner Bilder sind besonders durch seine Heimat, aber auch die israelischen Städten Zvat und Jerusalem geprägt, in denen er fast 12 Jahre lang lebte. Dies kann der Betrachter wunderbar an den sandfarbenen, grellen Bildern ausmachen. Zusätzlich spielen Symbole aus den verschiedenen Weltreligionen, darunter das Juden- und Christentum sowie der Zen-Buddhismus, eine große Rolle in seinen Werken.
Im Mittelpunkt stehen meist Figuren, die der Künstler mal in mystischer und manchmal in witziger Weise darstellt, wobei er stets darauf bedacht ist, ihre Würde nicht zu verletzen. So sind sie allesamt in einer mystischen Erhabenheit dargestellt, jedoch nicht ohne das ein oder andere Augenzwinkern.
Victor Shtivelberg bezeichnet seine Kunst als “transkriptiven Realismus” und damit bezieht er sich auf den realen Gehalt, den seine teils sehr fantasievollen Werke besitzen. Mit Realismus kann somit keineswegs gemeint sein, dass er einfach in einer abstrahierten Weise reale Objekte abmalt. Es geht viel mehr um die innere Realität des Künstlers. Es geht um den Austausch mit dem inneren Ich, mit dem Unter- bzw. Vorbewusstsein und letztlich geht es um die Balance zwischen diesen und dem Bewusstsein. Seine Bilder übertragen, d.h. transkribieren also diese innere Realität auf die Leinwand und somit zu uns, den Betrachtern. Neben der Suche nach Balance im Leben, die man auch als Aufforderung an die Betrachter verstehen kann, spielt auch die Freiheit des Individuums eine essentielle Rolle. Diese, bzw. das Fehlen dieser, hat der Künstler schließlich am eigenen Leib zu spüren bekommen, als er in der Sowjetunion aufwuchs und genau reglementiert war, was man als Künstler malen durfte und überhaupt OB man ein Künstler sein durfte.
Dieses und mehr erfuhren die Zuhörer bei der Einführungsrede von Johannes Paqué, zu der natürlich auch der Künstler mit seiner Familie zugegen war.

Foto: Johannes Paqué

Zuvor gab es natürlich auch wieder ein wunderbares Gitarrenkonzert von Veronika Mushkina, die unter Prof. Alexander Ramirez der Musikhochschule Düsseldorf studiert.
Zu hören waren Stücke von P. Ximenez, J. S. Bach, A. Barrios sowie diversen anderen Künstlern. Es überrascht, wie wunderbar die die transkribierte Fassung des Präludium BWV 998 von Bach auf die Gitarre passt. Somit untermalte sie gekonnt die meditative Stimmung, die auch in den Werken des Künstlers immer wieder anzutreffen ist. Ebenso interessant waren die Kompositionen der beiden russischen Komponisten Nikita Koshkin und Sergei Rudnev, die interessante und sehr anspruchsvolle Werke verfassten. Diese Mischung aus Meditation und technisch hoch anspruchsvollen Werken setzte sich bei den übrigen Werken fort, die die Zuhörer in einen südamerikanischen Flair entführten.
Eine ausgezeichnete Darbietung, die mit großem Beifall gefeiert wurde!

Ich möchte mich ganz herzlich bei Veronika Mushkina und natürlich bei Victor Shtivelberg und seiner wundervollen Familie für diese äußerst gelungene Ausstellungseröffnung bedanken!

Die Ausstellung ist noch bis zum 14. Dezember 2019 zu besichtigen.

Presse

Video

Fotos

Liebe Freunde der Musik und Kunst,

Es ist wieder soweit! Das Musikstudio öffnet seine Türen, um Ihnen den Künstler Victor Shtivelberg vorzustellen. Der aus der Ukraine stammende und nun in Deutschland lebende Künstler (Lindau am Bodensee) ist bereits seit 1987 tätig und hat sich über seine ursprüngliche Heimat hinaus international einen Namen gemacht. Mit seiner Ausstellung “Watching and Listening” feiert er nun auch sein Debüt in Bonn! Freuen Sie sich auf eine wundervolle, farbenfrohe Ausstellung, die aber auch die intellektuellen Gemüter mit einer verspielten Zweitdeutigkeit in ihren Bann ziehen wird! Shtivelberg selbst bezeichnet seinen Stil als “transkriptiven Realismus“, der Elemente des Surrealismus aufgreift, ohne dabei aber seine Gegenständlichkeit zu verlieren und immer im Bezug zur äußeren und inneren Wirklichkeit des Künstlers steht. Seine Technik setzt sich zusammen aus Ölmalerei, Pastellfarben, Gouache und Aquarellmalerei. Victor Shtivelberg schreibt über seine Kunst:

„Jeder Künstler ist Mittler und nicht Schöpfer seiner Werke. Meine Arbeit gelingt mir am besten, wenn ich mich ganz dieser kreativen Energie hingebe. (…) Ich benötige nur Kraft, um diesen besonderen Zustand aufrecht zu erhalten, den ich als „Singen der Seele“ oder „Stilles Entzücken“ beschreiben kann. Für mich sind das die kostbarsten Augenblicke. (…) Die Arbeit, der Kampf für das Entfachen des Feuers – das ist Schöpfung.“

Natürlich darf aber auch der musikalische Teil nicht fehlen und so gibt es vorab wieder ein Gitarrenkonzert von Veronika Mushkina. Die in Russland geborene Interpretin musiziert bereits seit ihrem fünften Lebensjahr, wobei Sie sich mit 11 auf die klassische Gitarre zu spezialisieren begann. Inzwischen studiert sie an der Robert Schumann Hochschule unter Prof. Alexander Sergei Ramirez in Düsseldorf.

Samstag, 14. September 2019

Musikstudio & Galerie: Gabriele Paqué
Blücherstraße 14
53115 Bonn

Der Künstler ist anwesend

15:30 Uhr: klassisches Konzert

mit Veronika Mushkina. Eintritt frei – Spende erbeten!
Weitere Informationen zum Konzert finden Sie weiter unten.

–

Einführungsrede von Gabriele & Johannes Paqué
um 17 Uhr

Der Künstler ist anwesend!

Werke der Ausstellung

Programm:

Pedro Ximenez (1780-1856)
Minuette No. 17, 2, 15

Johann Sebastian Bach (1685-1950)
Präludium BWV 998

John Dowland (1563-1656)
Fancy P. 6

Nikita Koshkin (1956)
Usher-Waltz

Mauro Giuliani (1781-1829)
Rossiniana No. 2

Agustin Barrios (1885-1944)
Julia Florida

Agustin Barrios (1885-1944)
Valse No. 4 op. 8

Sergei Rudnev (*1955)
Old-lime tree

Joaquin Turina (1882-1949)
Sevillana

–

Der Eintritt ist frei!
Um eine Spende für die Musiker wird gebeten.

Victor Shtivelberg

Victor Shtivelberg wurde 1960 in Odessa, Ukraine, geboren. Dort absolvierte er die Kunsthochschule – The Odessa Art School. Seit 1987 nahm er an über 30 Einzelausstellungen und mehr als 60 Gruppen-ausstellungen in vielen Ländern teil. Seine Gemälde sind in Museen ausgestellt und befinden sich in zahlreichen Privatsammlungen weltweit. 1991 wurde er Mitglied der internationalen Kunstvereinigung. Seit 2003 lebt er mit seiner wundervollen Familie in Deutschland am schönen Bodensee.
Obwohl Victor Shtivelbergs Werke auf Realismus basieren, ist es die Mystik seiner inneren Welt, welche seine Bilder zum Leben erwecken. Sie ziehen den Betrachter auf wundervolle Weise in einen einzigartigen Bann. Symbole verschiedenster Kulturen werden miteinander verwoben, sprechen ihre eigene Sprache und erzählen Geschichten, die weder realistisch noch surrealistisch sind. Über die Jahre hat Victor eine brillante, ausgereifte und sehr individuelle Farbpalette entwickelt, die er mit großem Feingefühl einsetzt.

PREISE & AUSZEICHNUNGEN
2000 – 1. Preis beim Nationalwettbewerb „Jerusalem-2000“ in Israel
2009 – 1. Preis beim Internationalen Wettbewerb „Focus Israel“

SAMMLUNGEN / COLLECTIONS
Odessa Fine Art Museum, Ukraine
Odessa Museum of Western and Estern Art, Ukraine
Museum of Modern Art, Yokohama, Japan
Museum of Modern Art, Buenos Aires, Argentinien
„Bell Gallery“, Toronto, Canada
Private Sammlungen in Deutschland, Schweiz, USA, Canada, Großbritannien, Italien, Niederlanden, Russland, Ukraine, Israel, Belgien, Frankreich,
Österreich, Liechtenstein und anderen Ländern.

EINZELAUSSTELLUNGEN
1989 – Galerie 777, Moskau, UdSSR
1991 – Museum of Fine Arts, Odessa, Ukraine
1991 – Artist’s Colony, Zfat, Israel
1992 – City Gallery – Haifa, Israel
1993 – Galerie La Petite Russie – Montreal, Canada
1995 – Galerie Veliko – Tyrnovo, Bulgarien
1996 – Galerie des Kunstverbandes – Zfat, Israel
1998 – Galerie BaProzdor – Tel-Aviv, Israel
2001 – Galerie Marienkirche – UIm, Dtl.
2001 – Kulturzentrum Academon – Haifa, Israel
2001 – City Center – Karmiel, Israel
2002 – Galerie Sondore – Bonn, Dtl.
2003 – Galerie Kunstwerke – Frankfurt, Dtl.
2003 – Cultural Center – Massad, Israel
2004 – Galerie Bek Tek – Jerusalem, Israel
2004 – Galerie Kunstwerke – Frankfurt, Dtl.
2005 – „Balance“, Galerie Windbraut – Bensheim, Dtl.
2005 – Galerie Alsholz – Meersburg, Deutschland
2006 bis 2007 – Dauerausstellung in Victor Shtivelbergs Galerie – Meersburg, Dtl.
2007 – „Der geöffnete Käfig“ Stadtgalerie Dreieich – Dtl.
2011 – Galerie KunstKellerei – Frankfurt-Baden-Baden, Dtl.
2011 – „25 KunstVolle Jahre“, Fürstenlager – Bensheim-Auerbach, Dtl.
2012 – Galerie „ART MATHIEU“ – Olten, Schweiz
2013 – „Kunst-Hingabe-Passion“ –  3 Galerien in Lindau

Seit 2007 Dauerausstellung in Victor Shtivelbergs Galerie, Lindau (Bodensee), Deutschland.

Veronika Mushkina

Veronika Mushkina, geboren 1993 in Nishnij Nowgorod (Russland), begann ihre musikalische Ausbildung im Alter von fünf Jahren am Klavier an der Musikschule in Dserzhinsk. Im Alter von elf Jahren wechselte sie zur klassischen Gitarre.
2011 absolvierte sie ihr Studium mit Auszeichnung an der Musikschule in Dserzhinsk. Kürzlich erhielt die junge Gitarristin das Deutschlandstipendium und nahm an verschiedenen Gitarrenfestivals, wie beispielsweise dem „Koblenz International Guitar Festival“ und dem „Viva la Guitarra!“ Festival in Düsseldorf teil. Dort erhielt sie unter anderem Meisterkurse bei Göran Söllscher, Cecilia Siqueira, Aniello  Desiderio, Marco Tamayo, Hubert Käppel, Juan Manuel Canizares, Roman Viazovsky, Hubert Käppel, Fabio Zanon, Rovshan Mamedkuliev, Stefan Hackl, Coco Vega und Evgeny Finkelstein. Sie hat Preise in internationalen Wettbewerbe in Russland, Serbien, Italien und Spanien gewonnen.
Derzeit studiert sie im Studiengang Bachelor Gitarre an der Robert Schumann Hochschule bei Prof. Alexander-Sergei Ramirez.

Ich freue mich auf Ihren Besuch!

Herzlichst
Gabriele Paqué

Hinweis Parken!
Parkmöglichkeiten in Bonn-Poppelsdorf, ca. 10 Gehminuten von der Blücherstraße entfernt! 

Das nächste Konzert findet am 28. September 2019 um 17:00 Uhr statt:
Gerald Hambitzer und Sigrun Stephan präsentieren Musik für zwei Clavichorde.
Werke von J.C. Bach, C.P.E. Bach, W.F. Bach, W.A. Mozart und C. Schaffrath

Aktuelle Ausstellung: Victor Shtivelberg präsentiert “Watching and Listening”
Samtags ist die Galerie von 14-18 Uhr geöffnet.
Nach telefonischer Absprache kann die Ausstellung auch zu anderen Zeiten besichtigt werden.
Blücherstr. 14, 53115 Bonn
Telefon: 0228-41076755

By paqueklavier Mittwoch, der 22. Mai 2019
v.l.n.r.: Rafael Ramirez Máro, Dao Droste, Kirsten Lubach, Maria Dierker, Gabriele Paqué und Otto von Kotzebue (Foto: Johannes Paqué)

Liebe Freunde der Kunst und Musik,

Am Samstag, den 25. Mai 2019 fand die Vernissage als Auftakt zur Feier des 10-jährigen Jubiläums des Musikstudios statt. Zu diesem Anlass fanden sich sieben verschiedene Künstler ein (oder ließen sich auch vertreten), die das Musikstudio mit ihren Arbeiten schon über mehrere Jahre begleitet haben. Kirsten Lubach, Otto von Kotzebue, Maria Dierker, Antonio Máro, Rafael Ramirez Máro, Alejandro DeCinti und Dao Droste stellten hierfür zusammen über 30 Werke zur Verfügung und trotz ihrer unterschiedlichen Stile ist dabei eine sehr schöne und spannende Ausstellung entstanden.

Doch kommen wir zunächst zum Konzert, das vorab um 15:30 Uhr stattfand. Mit Seif el din Sherif haben wir bereits schon einmal die Bekanntschaft gemacht und er ist uns als ein sehr feinsinniger und hochtalentierter Pianist in Erinnerung geblieben. Diesmal war er in Begleitung mit Peter Amann (Fagott) und Meriam Dercksen (Klarinette), mit denen er zusammen das Glinka Trio gründete. Zu hören waren Stücke von Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und natürlich von Michail Glinka. Ein derartiges Ensemble ist natürlich recht selten zu hören und so wartete das Publikum gespannt auf die ersten Töne und es wurde nicht enttäuscht. Die klassischen Stücke der drei Komponisten entfalteten sich in völlig neuen Klängen. Mit dem Fagott spielte Peter Amann häufig die Stimme, die eigentlich für eine Bratsche angedacht war, doch gab der ruhige und tiefere Bass dieses Instruments dem Ganzen eine ganz eigene Qualität. Meriam Dercksen spielte auf ihrer Klarinette lebhaft und gefühlvoll, während sie sich meist mit Seif el din Sherif oft in der Hauptstimme der Melodie abwechselte. Seif spielte ebenfalls sehr gefühlvoll und verstand es, die unterschiedlichen Stimmen der Instrumente mit seiner Begleitung, die in Verbindung mit dem Fagott einen wohlig-warmen Klangteppich gestaltete, zusammen zu halten. Ein wahrlich wunderbares Konzert!

Zur Eröffnung der Ausstellung selbst stellte Gabriele Paqué in kurzen Interviews mit den Künstlern die Künstler und ihre Werke vor. Kirsten Lubach stammt ursprünglich aus der Bonner Region, doch ist sie inzwischen in Wien sesshaft geworden, wo sie für die österreichische Post arbeitet und unter anderem die Briefmarken entwirft. Zudem ist sie mit ihren Kupferstichen auch als Künstlerin aktiv und ist auch häufiger in Galerien zu bewundern. Thematisch befasst sie sich mit der Natur und den verschiedenen Lebewesen, die man im Wald oder auch an der Küste antrifft. Maria Dierker hat sich ebenfalls ganz der Natur verschrieben und sowohl Blütenbilder als auch die von ihr bekannten “Baumpartituren” ausgestellt. Für sie hat der Baum eine ganz besondere Rolle, da er Leben spendet ein starkes Fundament repräsentiert, das uns Menschen Halt gibt. Otto von Kotzebue ist erneut mit seiner Aquarellmalerei vertreten. Neben den schon öfters ausgestellten (Stadt)Landschaften gibt es ebenfalls auch abstrakte Malerei, die den Betrachter in ihrer Rätselhaftigkeit fesseln. Dao Droste ist wieder mit ihrer luftigen und sehr ästhetischen Malerei anzutreffen sowie mit drei Bronzeskulpturen, die in ihrer Eleganz die Räume schmücken. Zuletzt erzählte Rafael Ramirez Máro von seiner Arbeit als Künstler. Er war an diesem Tag auch stellvertretend für seinen Vater Apolo Ramirez und den chilenischen Maler Alejandro DeCinti. Rafael Ramirez Máro arbeitet auf zwei Standbeinen, nämlich zum Einen unter eigenem Namen und zum Anderen mit seinem Vater zusammen unter dem Pseudonym Antonio Máro. Als Antonio Máro kreieren beide Künstler meist abstrakte Malerei, die in ihrer meditativen Stimmung die Kunst der indigenen Bevölkerung Perus aufgreift, derer beide Künstler Nachfahren sind. Unter eigenem Namen entwirft Rafael Ramirez Máro wiederum Gemälde nach barockem Vorbild, die sich durch ihren narrativen Charakter von Antonio Máro abheben. In ähnlicher Weise malt auch Alejandro DeCinti, den eine enge Freundschaft mit Rafael verbindet. Während von Alejandro DeCinti in dieser Ausstellung hauptsächlich Werke aus dem Zyklus “Das Narrenschiff” (nach Sebastian Brant, 15. Jhdt.) zu sehen sind, sind von Rafael Werke aus den Zyklen “Mythologie” und “La Celestine” zu bewundern.

Wie immer fanden die Gespräche mit den Künstlern ein großes Interesse beim Publikum und somit war diese Vernissage ein wundervoller Anfang, um das Jubiläum des Musikstudios zu feiern!

Die Ausstellung ist bis zum 13. Juli 2019 zu besichtigen.

Video zur Ausstellungseröffnung

Presseartikel aus dem General Anzeiger vom 05. Juli 2019

Liebe Freunde des Musikstudios,

Es ist soweit! Das Musikstudio feiert sein 10-jähriges Bestehen! Während die eigentliche Feier am 22. Juni stattfindet, beginnen wir die Festivitäten schon einmal mit einer Ausstellungseröffnung, die es in sich hat: Alle Künstler, die das Musikstudio in besonderer Weise auf seinem Weg begleitet haben, werden mit Werken vertreten sein und somit wandelt sich das Musikstudio während dieser Sammelausstellung in ein Eldorado eines ganzen Ensembles von Malern!

Freuen Sie sich auf Werke von Máro, Rafael Ramirez Máro, Maria Dierker, Dao Droste, Otto von Kotzebue, Kirsten Lubach und Alejandro DeCinti! Bilder und Lebensläufe der einzelnen Künstler finden Sie über einen Klick auf den jeweiligen Namen.

Diesen tollen Menschen hat es das Musikstudio wahrhaft zu verdanken, dass es neben der Musik- auch in der Kunstszene auf einem hochgradigen Niveau vertreten ist. Ich kann gar nicht beschreiben, wie überaus dankbar und glücklich ich bin, mit ihnen allen zusammenzuarbeiten!

Natürlich soll traditionsgemäß auch nicht der musikalische Aspekt bei dieser Eröffnung zu kurz kommen und daher freut es mich sehr, das Glinka Trio im Musikstudio willkommen zu heißen! Gegründet hat es sich 2016 aus den inzwischen ehemaligen Studenten der Hochschule für Musik und Tanz Köln Meriam Dercksen (Klarinette), Seif El Din Sherif (Klavier) und Peter Amann (Fagott). Seif El Din Sherif war bereits schon einmal im Musikstudio zu hören und ich kann garantieren, dass sich auch dieses Konzert sicher wieder lohnen wird! Gespielt werden Stücke von M. Glinka, W. A. Mozart und L. v. Beethoven.

Samstag, 25. Mai 2019

Musikstudio & Galerie: Gabriele Paqué
Blücherstraße 14
53115 Bonn

Die Künstler sind anwesend

15:30 Uhr: klassisches Konzert

mit dem Glinka Trio. Eintritt frei – Spende erbeten!
Weitere Informationen zum Konzert finden Sie weiter unten.

Einführungsrede von Gabriele Paqué
um 17 Uhr

Die Künstler sind anwesend!

Ausstellungsdauer:

25.05. – 06.07.2019

Werke der Ausstellung

Programm:

Michail Glinka (1804 – 1857)
Trio Pathétique d-Moll
– Allegro moderato
– Scherzo
– Largo
– Allegro con spirito

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
„Kegelstatt“ Trio KV498
– Andante
– Menuetto
– Rondeaux: Allegretto

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
„Gassenhauer Trio“ B-Dur für Klarinette, Fagott und Klavier
– Allegro con brio
– Adagio
– Tema: Pria ch’io l’impegno.
– Allegretto – Var. I-IX

–

Der Eintritt ist frei!
Um eine Spende für die Musiker wird gebeten.

Das Glinka Trio

Das Glinka Trio gründete sich im Sommer 2016. Das internationale Ensemble bestehend aus Meriam Dercksen (Klarinette/Niederlande), Seif El Din Sherif (Klavier/Ägypten) und Peter Amann (Fagott/Deutschland) sind alle Mitglieder oder Aushilfen namhafter Orchester und haben sich während ihrer Studienzeit an der Hochschule für Musik und Tanz Köln kennengelernt. Dort hatten sie auch schon vor der Gründung des aktuellen Ensembles in anderen Besetzungen gemeinsam musiziert.
Im Rahmen des Kammermusik Unterrichts der Hochschule für Musik und Tanz Köln erhielten die Musiker Unterricht bei Professor Antoni Spiri. Regelmäßige abendfüllende Konzerte mit dem umfangreichen Trio Repertoire und die Arbeit in Proben und Unterrichten haben das Ensemble zusammengeschweißt und zu einem hochklassigen und professionellen Klangkörper gemacht.

Das Glinka Trio ist als Best of NRW Ensemble von der Dörken-Stiftung gewählt worden.

Ich freue mich auf Ihren Besuch!

Herzlichst
Gabriele Paqué

Hinweis Parken!
Parkmöglichkeiten in Bonn-Poppelsdorf, ca. 10 Gehminuten von der Blücherstraße entfernt! 

Das nächste Konzert findet am 01. Juni 2019 um 17:00 Uhr statt.
Tobias Koch (Piano) spielt Werke rheinischer Romantiker: Robert Schumann, Norbert Burgmüller, Ferdinand Hiller

Aktuelle Ausstellung: Jubiläumsausstellung zum 10-jährigen Bestehen
Samtags ist die Galerie von 14-18 Uhr geöffnet.
Nach telefonischer Absprache kann die Ausstellung auch zu anderen Zeiten besichtigt werden.
Blücherstr. 14, 53115 Bonn
Telefon: 0228-41076755

By paqueklavier Montag, der 25. März 2019

Liebe Kunst- und Musikfreunde,

Am 30. März 2019 fand die Vernissage des Künstlerduos “Antonio Máro” statt. Zum Auftakt gibt es, wie es inzwischen ja Tradition ist, immer ein Konzert, das diesmal vom Aelius-Trio aufgeführt wurde.

Und dieser Auftakt ist überaus gut gelungen, da die Musiker mit ihrer Begeisterung für die Musik das Publikum wahrlich mitrissen. Angefangen mit dem fröhlichen und quirligen Trio von Haydn fanden Jennifer Seubel (Flöte), Marco Sanna (Klavier) und Elio Herrera (Cello) einen sehr schönen klassischen Einstieg, der auch gleichzeitig den Leitgedanken dieses Konzerts vorwegnahm: es soll Spaß machen und Freude bringen. Dies verstanden die Musiker sehr gut umzusetzen, wobei sie auch sehr darauf bedacht waren, als ein geschlossenes Ganzes aufzutreten. Man hatte nie das Gefühl, dass sich ein Instrument in den Vordergrund drängte. Alles passte harmonisch sehr gut zusammen. Nichtsdestotrotz verlangten die Stücke auch persönlich hohe spielerische Qualitäten, wie sich in manchen Passagen immer wieder zeigte, die die drei Musiker souverän meisterten. Auch das Trio von Beethoven versprühte einen lebhaften Esprit, der sicherlich auch dem noch jungen Alter des Komponisten geschuldet war. Geschrieben war das Stück ursprünglich für Klavier, Flöte und das Fagott anstelle des Cellos. Doch erlaubt die Komposition durchaus auch das Spielen eines Cellos, da die Tonlage in etwa auf der gleichen Höhe mit dem Fagott liegt. Beethoven zu hören gestaltet sich immer als besonders interessant, war er doch ein Hauptakteur der Hochklassik, der zudem den Sprung zur Romantik vorbereitete. In diesem Stück lässt sich besonders der Bezug zur Klassik gut nachvollziehen, sodass sich viele Parallelen als auch natürlich einige Unterschiede im direkten Vergleich zu Haydn nachvollziehen ließen. Der eigentlichen Höhepunkt war jedoch für viele Besucher die “Vier Jahreszeiten” von Piazzolla. Wer bis hierhin noch nicht munter war, der wurde es mit Sicherheit jetzt! Die rhythmische Lebendigkeit dieses Komponisten des 20. Jahrhunderts, der einen großen Einfluss auf die Entwicklung des südamerikanischen Tangos hatte, brachte nahezu jeden in Versuchung, selbst mitzutanzen, als das Trio diese wunderbaren Stücke spielte.
Eine sehr schöne Vorstellung!

v. l. n. r.: Jennifer Seubel, Marco Sanna, Elio Herrera; Foto: Johannes Paqué

Um 17 Uhr fand dann die eigentliche Eröffnung der Ausstellung statt. Leider konnte Apolo Ramirez es aufgrund einer Krankheit nicht zur Vernissage schaffen, doch war sein Sohn gekommen, der mit ihm schließlich das Künstlerduo Antonio Máro bildet.
Den Einführungsvortrag hielt Johannes Paqué im Dialog mit Rafael Ramirez. Johannes Paqué sprach zunächst über das Leben von Apolo Ramirez, der in Peru in einem kleinen Dorf zur Welt kam. Schon früh entwickelte er eine Leidenschaft für die Kunst, wobei besonders Werke von Willi Baumeister, Picasso, aber auch von deutschen Künstlern des Mittelalters wie Hans Holbein der Jüngere eine große Rolle in seinem späteren künstlerischen Werdegang spielten. Doch da die Kunst oftmals aber auch eine “brotlose Kunst” ist, studierte er später neben der Kunst auch Medizin. Hierdurch fand er schließlich nach Deutschland, wo er seine spätere Frau kennen lernte, mit der er vier Kinder großzog. Auch während seiner Tätigkeit als praktizierender Arzt malte Apolo Ramirez unentwegt weiter. Er wurde zudem Meisterschüler von Willi Baumeister, den er als Kind ja schon verehrte, und beide verband zu Baumeisters Lebzeiten auch eine tiefe Freundschaft. Wenn man ihn fragt, was es denn sei, das er bis jetzt noch von Baumeister beibehalten habe, dann gibt er stets die Antwort, dass es gerade die kleinen farblichen Akzente innerhalb eines Bildes sind, die seinen gesamten Charakter beeinflussen. Und wenn man sich die Bilder anschaut (s.u.), dann fällt auch genau dies oftmals auf. Betrachtet man den Flötenspieler (sh. Bild ganz unten) beispielsweise, so macht der unscheinbare rote Farbakzent doch sehr viel in der Eigendynamik des Bildes aus. Insgesamt sind es immer die Farben, die für beide Künstler im Vordergrund stehen und denen die gesamte Bedeutung des Bildes zukommt. Die Kunst von Antonio Máro steht für sich. Sie ist nicht repräsentativ, nicht vergeistigt und intellektuell überhöht. Rafael Ramirez hatte das schon sehr früh verstanden. Bereits mit 12 Jahren arbeitete er im Atelier zusammen mit seinem Vater und ist seitdem maßgeblich an den Werken von Antonio Máro beteiligt. Beide Künstler verfolgen ganz unterschiedliche künstlerische Herangehensweisen: Für Apolo Ramirez steht das Experiment im Vordergrund, während Rafael Ramirez eine sehr durchdachte und konzeptualisierte Strategie in der Malerei verfolgt. Die Zusammenarbeit beschreiben beide Künstler als Jazz, wobei unterschiedliche Temperamente aufeinander treffen und sich gegenseitig ergänzen, sodass am Ende ein unnachahmliches Kunstwerk entsteht, das die Qualitäten beider Künstler in sich gleichermaßen vereinigt.

Mehr über die Kunst von Antonio Máro sowie die Bilder der Ausstellung können Sie übrigens auch im Katalog finden, der extra für die Ausstellung gedruckt wurde. Er enthält zudem eine Originalsignatur der Künstler und wurde in einer kleinen Auflage von 50 Stück produziert. Der Katalog kann für 15,- € erworben werden.

Die Ausstellung ist bis zum 18. Mai 2019 zu besichtigen, nach vorheriger Absprache auch außerhalb der regulären Öffnungszeiten (Samstags 14-18 Uhr). 

v. l. n. r.: Rafael Ramirez Máro, Gabriele Paqué, Johannes Paqué; Foto: Jonas Kahn

Kritik des Konzerts

Video der Vernissage

Liebe Kunst- und Musikfreunde,

Die beiden Künstler Antonio Máro und Rafael Ramirez Máro, Vater und Sohn, sind bereits langjährige Wegbegleiter unserer Galerie und es ist jedes Mal eine Freude, sie in unseren Räumen begrüßen zu dürfen!
Der in Peru geborene Maler Antonio Máro (geboren als Apolo Ramírez Zapata) war schon seit seiner Kindheit der Kunst zugeneigt, doch war es in der Familie nicht gern gesehen, dass sich der Sohn mit solch einem brotlosen Unterfangen beschäftigte und so malte er zunächst unter einem Pseudonym. Letztlich studierte er Medizin in Deutschland und war lange Jahre in diesem Beruf tätig. Durch die ermunternden Worte seiner Wegbegleiter hörte er jedoch niemals auf, als Künstler aktiv zu sein und so wurde er ein Schüler von Willi Baumeister. Inzwischen hatte sich Antonio Máro bereits einen Ruf als Künstler gemacht, sodass er letztlich nicht mehr gezwungen war, als Mediziner weiterzuarbeiten. Seit 1972 arbeitet er zudem sehr eng mit seinem Sohn Rafael zusammen und beide entwickelten den Máro-Stil, der in all seinen Werken unverkennbar ist. Ihr Stil ist zudem geprägt von der präkolumbianischen Kunst und Kultur der indigenen Bevölkerung Perus.
Rafael Ramirez Máro ist auch unter seinem eigenen Namen als Künstler berühmt geworden, wobei sein Oevre, in Anlehnung an klassische Maler wie Leonardo Da Vinci und Goya, die klassische Porträtmalerei sowie die Darstellung von Individuen, als Ausdruck ihrer Zeit, umfasst.
2018 wurde Antonio Máro, der bis heute noch künstlerisch sehr aktiv ist, 90 Jahre alt und so beschlossen Vater und Sohn, diesen Geburtstag mit einer Ausstellungsreihe das ganze 91. Lebensjahr hindurchzufeiern! Beide Künstler entwickeln den Máro-Stil unentwegt weiter und so werden Werke aus verschiedenen Schaffensperioden von Máro zu bewundern sein.

Den musikalischen Auftakt dieser Ausstellungseröffnung liefert das Aelius Trio, bestehend aus Jennifer Seubel (Flöte), Elio Herrera (Cello) und Marco Sanna (Klavier). Zu hören sind Stücke von Joseph Haydn, Heitor Villa-Lobos, Louise Farrenc und Astor Piazzolla.

Drei junge, enthusiastische und außergewöhnlich engagierte Musiker der Musikhochschule Köln gründeten im jahre 2018 das “Aelius Trio”. Jennifer Seubel, Flöte, Elio Herrera, Cello, und Marco Sanna, Klavier, teilen eine große Leidenschaft für Kammermusik.
Diese relativ ungewöhnliche Besetzung hat es sich zum Ziel gesetzt bekannte und unbekannte Werke zu erforschen und zu interpretieren. Bekannte klassische Trios reihen in ihren Konzertprogrammen Werke von Haydn, Mozart und Beethoven und interessante, weniger bekannte Werke von Komponistennen (Louise Farrenc) oder von in Vergessenheit geratenen Komponisten (z.B. Ferdinand Ries) aneinander.
Der Eklektizismus des “Aelius Trio” zeigt sich, wenn die drei Musiker auch Werke der “Neuen Musik”, sowie Crossover/Jazz oder der Tango-Welt mit zum Beispiel dem ganzen Zyklus der Jahreszeiten von Astor Piazzolla darbieten.

Aelius Trio

Samstag, 30. März 2019

Musikstudio & Galerie: Gabriele Paqué
Blücherstraße 14
53115 Bonn

Die Künstler sind anwesend

15:30 Uhr: klassisches Konzert

mit dem Aelius Trio. Eintritt frei – Spende erbeten!
Weitere Informationen zum Konzert finden Sie weiter unten.

Einführungsvortrag von Johannes Paqué
um 17 Uhr

Danach Rundgang mit den Künstlern durch die Ausstellung

Werke der Ausstellung

Programm:

Joseph Haydn (1732-1809)
Trio in D, Hoboken XV:16
– Allegro
– Andantino più tosto Allegretto
– Vivace assai

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Trio G-Dur, WoO 37
– Allegro
– Adagio
– Thema andante con variazioni

Astor Piazzolla (1921-1992)
Las Estaciones Portenas (Die vier Jahreszeiten) für Ensemble
– Frühling
– Sommer
– Herbst
– Winter

–

Der Eintritt ist frei!
Um eine Spende wird gebeten.

Foto: Johannes Paqué

Antonio Máro

Als Antonio Máro kreieren beide Künstler meist abstrakte Malerei, die in ihrer meditativen Stimmung die Kunst der indigenen Bevölkerung Perus aufgreift, derer beide Künstler Nachfahren sind.

Apolo Ramírez

Apolo Ramírez Zapata (* 1928 in Catacaos, Piura, Nord-Peru) ist ein peruanischer Künstler. Apolo begann bereits als Kind zu malen. Sein erster Lehrer war der Belgier Ricardo Grau, seinerzeit Direktor an der Kunstakademie von Lima. Als Medizinstudent kam er nach Deutschland, wo er bei Willi Baumeister studierte. Seit 1972 arbeitet er als Antonio Máro unter diesem Künstlernamen zusammen mit seinem Sohn Rafael Ramírez und beide entwickeln unter diesem Künstlernamen den Máro-Stil.
Die geistigen Wurzeln von Máros Werk liegen in der präkolumbianischen Kunst und Kultur seiner Heimat Peru. Beide Künstler leben und arbeiten heute in Hauset, Belgien.

Rafael Ramírez Máro

Rafael Ramírez ist nicht nur in biographischem Sinn ein Weltbürger, der in unterschiedlichen Ländern gleichermaßen eine Heimat gefunden hat, er ist es vor allem auf künstlerischem Gebiet. Virtuos wechselt er zwischen den unterschiedlichen Epochen der Kunstgeschichte. Er lässt in seinem Werk Rembrandt ebenso lebendig werden wie Tintoretto, Goya oder Leonardo da Vinci. Zwischen zeitlicher Nähe und einem jahrhundertelangen Abstand besteht für ihn kein Widerspruch. Ihm geht es um die künstlerischen Ausdrucksformen von Gefühlen, Gedanken oder Visionen, die in unterschiedlichen historischen Gewandungen daherkommen, aber stets auf den gleichen überzeitlichen Ursprung hindeuteten.
Jene epochalen Bezüge, die für den Betrachter von Ramírez´ Werken nachvollziehbar sind, sind durch die Möglichkeiten und Sehgewohnheiten unserer Zeit gespiegelt. Die Kunst des 20. Jahrhunderts trägt einen fragmentarischen Charakter und verfügt nicht mehr über den geschlossenen Horizont wie die Werke vergangener Epochen. Es ist möglich, unterschiedliche Epochen mit ihren Ausdrucksmöglichkeiten nebeneinander zu stellen und mit den Mitteln der Moderne wie “Infinito” und “Assemblage” zu einer Synthese zu führen. Im Vordergrund steht dabei das Gefühl, das künstlerische Werke bei dem Betrachter auslösen.
Ramírez´ Malerei lebt von tiefen Empfindungen und deren künstlerischer Darstellung. In seinen Werken offenbart sich das Staunen über die grenzenlosen Möglichkeiten der Kunst, Zeiten und Räume zu überwinden und in Tiefen vorzudringen, die dem oberflächlichen Blick verborgen bleiben. Die Ergriffenheit von der suggestiven Kraft der Farbe und der Form teilt sich dem Betrachter mit. Um die Möglichkeit des Nach-empfindens, des in sich Aufnehmens von Gefühlen über Räume und Zeiten hinweg, geht es. Der Maler lenkt den Blick auf das Detail, auf unscheinbare Gesten, die in einem Drama ebenso zum Ausdruck kommen wie in einer musikalischen Komposition oder im Tanzschritt einer Flamencotänzerin, den der Künstler mit kennerhaftem Blick einfängt. Er inszeniert Schlüsselszenen, die den Sinn des Daseins offenzulegen scheinen.
Ramírez fokussiert solche Szenen und schafft durch deren künstlerische Ausgestaltung neue Zugänge zur Wirklichkeit. Dabei geht es ihm sowohl um das Individuum als auch um den Geist der Epoche. Beides steht in seinem Denken über den Menschen in einem engen Zusammenhang. Der Mensch ist nicht isoliert, keine Insel in seiner Zeit. Entsprechend dieser Vorstellung steht die Figur in seinem Bild nie für sich allein. Sie ist vielmehr der symbolhafte Ausdruck ihrer Zeit
Wie Farbe, Linie, Raum und Leere in den Kompositionen in einer Art dynamischer Wechselbeziehung stehen, steht auch der Mensch, der Mittelpunkt des künstlerischen Schaffens von Rafael Ramírez, in einem epochalen Kontext. Seine Bilder sind eine Art Bühne, auf der sich das Drama des Lebens entwickelt. Historische Stoffe fesseln ihn, aber dennoch: Obwohl der Künstler in seinen Bildern häufig solche Themen, wie zum Beispiel Szenen aus dem spanischen Bürgerkrieg (1936-39) oder die Verbrechen der Nationalsozialisten an der jüdischen Bevölkerung, zum Ausdruck bringt, versteht er sich nicht als Historienmaler. Die unterschiedlichen figurativen Ausformungen sind für ihn Wege, die zu einem anderen Ziel führen sollen als zu einer theatralischen Darstellung. Es geht ihm um die Betroffenheit. Bilder sind für Rafael Ramírez somit keine Abbilder im mimetischen Sinne. Er sieht seine Malerei vielmehr in der Tradition des magisch spirituellen Tafelbildes, das tiefe Schichten des Unterbewusstseins erreicht.

Aelius Trio

Jennifer Seubel studierte zunächst an der Staatlichen Hochschule für Musik Trossingen bei Prof. Arife Gülsen Tatu, wo sie im Juli 2009 ihr Abschlussexamen im Studiengang „Diplom-Musiklehrer“ mit der Note „sehr gut“ bestand. Ihre Künstlerische Ausbildung setzte sie bei Prof. Robert Winn an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln fort und schloss im Juli 2010 ihr Studium der künstlerischen Instrumentalausbildung ebenfalls mit Auszeichnung ab. Von Oktober 2010 bis April 2014 studierte sie dort im Master-Studiengang, den sie wiederum mit ausgezeichnetem Abschluss und dem Titel “Master of Music” beendete.
Weitere musikalische Kenntnisse konnte sie durch die Teilnahme an Meisterkursen bei Prof. Eckard Haupt, Prof. Andrea Lieberknecht, Michael Cox, Robert Aikten, Gitte Marcusson, Thaddeus Watson und Prof. Eyal Ein-Habar erwerben. Schon früh begann sie mit der Orchesterarbeit. Bereits im Alter von zehn Jahren gab sie ihr Solokonzertdebüt mit dem Kreisjugendorchester Südliche Weinstraße. 2000-2006 war sie Flötistin im Landessymphonieorchester Rheinland-Pfalz, mit dem sie Konzertreisen nach Kalifornien, China, Tschechien und Polen unternahm. Weitere Orchestererfahrung sammelte sie unter anderem bei der „Deutsch-Skandinavischen Jugendphilharmonie“ der „Russischen Kammerphilharmonie St.Petersburg“ der “Kammerphilharmonie Europa” der “Jungen Kölner Philharmonie”, und bei der „Internationalen Jungen Orchesterakademie“ beim „Festival junger Künstler Bayreuth“. Seit 2010 spielt sie regelmäßig bei Projekten der „Neuen Philharmonie Westfalen“ in Recklinghausen und Gelsenkirchen und bei der „Philharmonie Südwestfalen“. Auch bei dem „Frankfurter Opern- und Museumsorchester“, bei den „Dortmunder Philharmonikern“ und beim „Stuttgarter Kammerorchester“ wird sie seither immer wieder eingeladen und konnte bereits mit Solisten wie Daniel Hope und Paul Meyer und in Sälen wie der Berliner Philharmonie, im Palau de la Musica Barcelona und dem Wiener Musikverein spielen. Auch als Solistin konnte Jennifer Seubel bereits sowohl mehrfach zusammen mit dem „Oberbergischen Symphonie-Orchester“, als auch mit dem „Collegium Musicum “ in Lwiw, Ukraine brillieren.
Zu ihren Preisen und Auszeichnungen zählen mehrere Preise auf Landes- und Bundesebene beim Musikwettbewerb „Jugend musiziert“, der 2. Preis bei den Pfälzer Hausmusiktagen, 2002, der 1. Solistenpreis und Spezialpreis für zeitgenössische Musik beim Internationalen Musikwettbewerb „Città di Barletta“ in Italien, 2006, der „Iris-Marquardt-Förderpreis“ der Hochschule Trossingen in der Kategorie Kammermusik, 2007, den 1. Preis im Rahmen des „Euroasia Musik-Festivals“, 2009, der 2. Preis. bei dem „Open National Fluitconcours Ittervoort“ in den Niederlanden, 2011 und der 2. Preis beim „Alexander & Buono International Flute Competition“, New York, 2011. Im Jahre 2002 erhielt Jennifer Seubel ein Stipendium zur Teilnahme am Workshop des „Blue Lake Fine Arts Camp“ in Michigan, USA. Seit 2003 ist sie Stipendiatin der „Paul und Yvonne Gillet Stiftung“ für junge Musiker.
Im April 2010 wurde sie in die Stiftung „Yehudi Menuhin LiveMusicNow Köln e.V.“ aufgenommen und von 2012-2014 zählte sie zu den Stipendiaten der „Werner Richard – Dr. Carl Dörken Stiftung“.
Seit Oktober 2012 ist sie als Dozentin an der Hochschule für Musik und Tanz Köln tätig und wird als Jurymitglied zu Vorspielen des Cusanuswerks und des Lions Musikpreises eingeladen. Seit Oktober 2018 ist sie zusätzlich auch als Flötendozentin an der Universität in Koblenz tätig. Regelmäßig gibt sie in unterschiedlichen Besetzungen Kammermusikkonzerte. Sei es mit dem Flötenduo „Noble“, zusammen mit Sally Beck, mit der sie auch Anfang 2018 ein Arrangement des „Karneval der Tiere“ im Bärenreiter-Verlag veröffentlichte, oder mit Ivan Petricevic, Gitarre, im „Duo Ventone“. Darüber hinaus musiziert sie im „Aelius Trio“ zusammen mit Elio Herrera, Cello, und Marco Sanna, Klavier, ist bei Projekten der „Opernwerkstatt Köln“ tätig und außerdem Flötistin beim Kollektiv 3:6 Köln, dem Ensemble für Neue Musik, das von der Kunststiftung NRW, dem Deutschen Musikrat und dem Musikfonds gefördert wird.

Elio Herrera wurde in San Carlos-Cojedes, Venezuela, geboren. Unter der Obhut des weltweit renommierten Musikprojektes „El Sistema“ erhielt er mit zehn Jahren seinen ersten Cellounterricht.
Mit dem Teresa Carreño Jugendsinfonieorchester von Venezuela spielte der damals erst 16-jährige unter der Leitung von Claudio Abbado, Sir Simon Rattle, Gustavo Dudamel, Eduardo Marturet, Sung Kwak, Frühbeck de Burgos, Maria Guinand, Placido Domingo, Christian Vasquez, Rebecca Miller, Eugene Kohn und Nikolaj Znaider und Robert H. P. Platz.
Im selben Jahr begann er das Studium an der Universität der Künste in Caracas bei William Molina und Marek Gazjler, welches er 2013 mit dem Bachelor of Music abschloss. Seit 2016 studiert Herrera Violoncello im Master an der Hochschule für Musik und Tanz Köln in der Klasse von Nadège Rochat und Prof. Maria Kliegel. Neben zahlreichen Projekten an der Hochschule, besuchte er 2018 unter anderem die Akademie für Darstellende Kunst und Musik in Montepulciano unter der Leitung von Prof. Dr. Florence Millet und Prof. Johannes Schöllhorn. Seit Februar 2018 ist er Mitglied des „Aelius Trio“ für Kammermusik. Mit dem Förderprojekt „Gargonza Arts“ für Neue Kunst gastierte er im selben Jahr an der Oper Köln.
Seine Leidenschaft für die Musik brachten ihn bereits auf weitere internationale Bühnen renommierter Konzerthäuser, darunter die Berliner Philharmonie, das Wiener Konzerthaus, das Amsterdam Concertgebouw, das Madrid Auditorio Nacional de Música, die Toulouse Halle aux Grains, das Theater am Kirchplatz in Lichtenstein, das Stavanger Konzerthus in Norwegen, das Konzerthaus in Stockholm, der München Gasteig, das Lisboa Grande Auditório, die Royal Festival Hall, das Istanbul Zorlu Center Performing Arts¸ das Festspielhaus Salzburg und das Teatro Alla Scala Milano.

„Für mich als Musiker ist es nicht nur das Cellospiel allein, welches mich erfüllt. Es ist viel mehr der Austausch zwischen Menschen und Kulturen, mit der Musik zu experimentieren und neue Konzepte entwickeln zu können.“

Marco Sanna, 1989 in Cagliari (Italien) geboren, erhält bereits im Alter von 5 Jahren seinen ersten Klavierunterricht. Er erhält ein Stipendium um für ein Jahr an der renommierten “Ecole Normale de Musique Alfred Cortot” in Paris bei Professor Patrick Zygmanowski zu studieren. Sein Studium bei Prof. Fabio Bidini beginnt Marco 2010 an der Hochschule für Musik “Hanns Eisler” in Berlin und setzt es an der HfMT in Köln fort, wo er sein Masterstudium März 2018 abgeschlossen hat. Ab Oktober 2018 beginnt er sein Kammermusik-Masterstudium an der Frankfurter Hochschule und sein Pädagogisches Bachelor an der HfMT Köln.
Er absolviert zahlreiche Meisterkurse bei Professoren wie z.B.: Fabio Bidini, Jacques Rouvier, Aquiles Delle Vigne, Benedetto Lupo, Menahem Pressler, Pinchas Zukerman, Gabor Takacs-Nagy und Andras Schiff. Vom Meisterkurs bei dem Pianisten Andras Schiff berichtet der Radiosender „Deutschlandfunk“ mit großer Begeisterung und viel Lob für die Klavierkünste Marco Sannas, der hierbei besonders viel Anerkennung fand.
Marco Sanna ist mehrfacher Preisträger von nationalen und internationalen Wettbewerben. Als Solist und Kammermusikpianist wurde er schon zu Festivals wie dem “Rome International Piano Festival” oder “Verbier Festival” eingeladen, und ist schon mehrmals in wichtigen Konzertsälen (Berliner Philharmonie und Kammermusiksaal, Konzerthaus Berlin, Audimax Bochum u.a.) aufgetreten. Im Mai 2014 veröffentlichte Marco Sanna ein gemeinsames Werk mit dem Kontrabassisten Orazio Ferrari. Es entstand eine CD für das italienische Musiklabel “Velut Luna”. Das Besondere an dieser musikalischen Zusammenarbeit ist, dass es sich hierbei um die weltweit erste Einspielung von Chopins Cello Sonate und Schumanns Adagio e Allegro auf dem Kontrabass handelt. Die CD bekam sehr positive Rezensionen von internationalen Zeitschriften wie “The Strad” und “Gramophone”. Eine zweite CD mit Musik von Rachmaninov ist im Jahr 2018 geplant.
Marco Sanna spielt regelmäßig Kammermusikabende mit Mitgliedern der Berliner Philarmoniker und der Karajan Akademie Berlin, mit der Cellistin Anne Yumino Weber (Solocellistin an der Frankfurter Oper, Solocellistin bei DRP Saarbrücken), mit dem Klarinettisten Andy Miles (Soloklarinettist bei WDR Köln).
Von Juli bis November 2017 hat Marco, zusammen mit dem Berliner „Furiant Quartet“, eine vom „Lincoln Center New York“ gesponserte Konzerttour in Europa und Amerika unternommen, mit insgesamt 290 Konzerten.

Ich freue mich auf Ihren Besuch!

Herzlichst
Gabriele Paqué

Hinweis Parken!
Parkmöglichkeiten in Bonn-Poppelsdorf, ca. 10 Gehminuten von der Blücherstraße entfernt! 

Das nächste Konzert findet am 06. April 2019 um 17:00 Uhr statt.
Sheila Arnold (Klavier) und Guido Schiefen (Cello) spielen Werke von J. Brahms

Aktuelle Ausstellung von MÁRO
Samtags ist die Galerie von 14-18 Uhr geöffnet.
Nach telefonischer Absprache kann die Ausstellung auch zu anderen Zeiten besichtigt werden.
Blücherstr. 14, 53115 Bonn
Telefon: 0228-41076755

By paqueklavier Sonntag, der 16. Dezember 2018

Liebe Freunde der Kunst und Musik,

Am Samstag, den 12. Januar 2019, fand die Vernissage “Tanz der Farben” der Künstlerin Lúcia Hinz statt. Es war angekündigt, dass jeder, der dem trüben Wetter ein wenig entkommen wollte, herzlich bei uns eingeladen ist, an dieser Vernissage teilzuhaben. Und wie es der Zufall so wollte, war es tatsächlich ein richtig verregneter und kühler Nachmittag! Doch das hielt unsere zahlreichen Gäste nicht davon ab, den Weg zu unserer Galerie auf sich zu nehmen, um zusammen mit anderen Liebhabern der Kunst und Kultur diese farbenfrohe Ausstellungseröffnung zu feiern. Wie ich immer wieder betone, freue ich mich sehr darüber, Gäste aus den verschiedensten Nationen bei mir willkommen zu heißen und diesmal war doch auch glatt ein Hauch von Brasilien in den Räumen zu spüren, da viele Freunde und Familie (extra angereist) der Künstlerin zugegen waren.

Wie es ja in meiner Galerie Tradition ist, wird eine Vernissage zunächst immer durch ein Konzert eingeläutet, das diesmal von den beiden jungen und hochbegabten Studenten Efe Gerdanoglu und Karolina Tomaszewska der Hochschule für Musik und Tanz Köln (bei Prof. Sheila Arnold) vorgetragen wurde. Efe Gerdanoglu spielte zuerst die Klaviersonate in F-dur, K.332 von Wolfgang Amadeus Mozart, die er spielerisch und hochmusikalisch auf dem historischen Flügel von Ernst Kaps von 1875 vortrug. Es folgte die Polonaise in As-Dur op.53 von Frédéric Chopin, die er kraftvoll und lebensfroh auf dem Instrument präsentierte. Karolina Tomaszewska spielte 12 der Préludes von Chopin, die in ihrer etwas melancholischen Stimmung einen Kontrast zu den Werken der Ausstellung bildeten, jedoch in ihrer Virtuosität dem Publikum ein reinstes Hörvergnügen bereiteten.

links: Dr. Uwe Kaestner und Gabriele Paqué (mitte)

Die offizielle Eröffnung fand sodann mit den einführenden Worten von Dr. Uwe Kaestner (Botschafter a.d. und Vorsitzender der Deutsch-Brasilianischen Gesellschaft) statt, der auf höchst spannender Weise das Leben der Künstlerin belichtete. Wie er selbst betonte, ist er kein Kunsthistoriker und so handelte seine Erzählung weniger von ihrer Malerei an sich – und doch konnte der Zuhörer aus den Erzählungen bald nachvollziehen, was die Künstlerin dazu bewog, sich ganz der Malerei zu widmen und sich dem Motiv der starken, selbstbewussten Frau zu widmen. Im weiteren Verlauf stand nun auch die Künstlerin selbst für ein Gespräch zur Verfügung und sie erzählte noch einmal im Detail über ihre Kunst und ihre Beweggründe zu malen.
Lúcia Hinz ist die mittlere Tochter einer sehr kinderreichen Familie. So lernte sie schnell, sich gegen ihre jüngeren und älteren Geschwister zur Wehr zu setzen und sich als eigenständige Person zu behaupten. Die Emanzipation im Sinne eines Feminismus ist nicht ihr erklärtes Ziel. Viel mehr ist es ihr Anliegen, dass Menschen sich gegenüber einander mit Respekt behandeln. Und dies bekam jeder zu spüren, der einer anderen Meinung war und der meinte, sie bevormunden zu müssen oder ihr gar Gewalt anzutun! Insofern ist das Bild der starken Frau Sinnbild ihres eigenen Lebenswegs, das zugleich auch stellvertretend für den respektvollen, liebevollen Umgang mit allen Menschen – egal ob jung oder alt, schwarz oder weiß, arm order reich – verstanden werden kann. Letztlich ist der Mensch ein würdevolles und edles Wesen, gezeichnet durch seine Geschichte und den daraus resultierenden Erfahrungen, die sich in den bunten Farben der Werke widerspiegeln. Anhand ihrer autobiographischen Bezüge zu den Figuren in ihren Gemälden gibt die Künstlerin ihre persönliche Interpretation dieser allgemein gültigen Wahrheit wider.
Auch ihr soziales Engagement, das sie bis heute in ihren Projekten sowie in ihrem Lebensalltag immer wieder mit einbringt, rührt aus ihrer bewegten Kindheit und Jugend in Brasilien:
Lúcia Hinz stammt aus einer armen Region im Osten des Landes und so war es nicht ungewöhnlich, dass ihre Familie recht arm war. Allerdings hatten sie und ihre Geschwister immerhin noch ein Dach über dem Kopf. Lúcia Hinz erzählte, wie sie Straßenkinder, mit denen sie auch zu spielen pflegte, nachts unter ihrem Bett versteckt hatte. Als ihre Mutter in ihr Zimmer kam, welches sie sich mit ihrer Schwester teilte, um nach dem Rechten zu sehen, bemerkte sie zwei Paar Beine, die unter dem Bett herausragten… Auf die Frage hin, wer das denn sei, gab Lúcia trotzig die Antwort, dass es sich um ihre Freunde handle. Die Mutter ließ die beiden die Nacht dort weiter schlafen, doch bereitete sich Lúcia schon auf ein Donnerwetter ihres Vaters am kommenden Morgen vor. Es kam allerdings ganz anders: als ihr Vater nämlich vorschlug, dass die beiden Kinder auch gleich bei ihnen leben könnten. Wo man schon eh so viele Kinder habe, fielen zwei weitere doch auch nicht weiter auf!
Auch erzählte die Künstlerin viel über ihre Maltechnik und den Schaffensprozess, der durch eine intuitive Malweise geprägt ist. Merkt sie, dass sie ein Bild unglücklich macht, dann wird es einfach übermalt. Tabula rasa! Freude und Eleganz sind die bestimmenden Faktoren, nach denen sich die Künstlerin richtet. Wer die Bilder mit den sehr modisch gekleideten Figuren betrachtet, der hält es sicher nicht für unwahrscheinlich, dass die Künstlerin auch schon mal darüber nachdachte, Modedesignerin zu werden, bevor sie sich letztendlich dazu entschied, sich ganz der Kunst zu widmen.

Ich möchte mich an dieser Stelle noch einmal ganz herzlich bei dem zahlreichen und hoch interessierten Publikum bedanken, das diese Vernissage zu einem Erfolg machte. Mein Dank gilt ferner Herrn Dr. Uwe Kaestner und allen voran natürlich der Künstlerin Lúcia Hinz für ihre wunderschöne Ausstellung in einem berauschenden Tanz der Farben!

Video zur Ausstellungseröffnung vom Künstlerkanal

Fotos

Presse
(General Anzeiger vom 30. Januar 2019)

Liebe Kunst- und Musikfreunde,

Ich möchte Sie ganz herzlich zu der neuen Ausstellung “Tanz der Farben” von Lúcia Hinz einladen. Die aus Brasilien stammende Künstlerin setzt sich Zeit ihres Lebens für die Verbesserung der Lebensbedingungen sozial benachteiligter Gruppen – etwa Frauen und Kinder – ein und ihre Ausstellungen waren bereits in Brasilien sowie vielen europäischen Ländern zu bewundern. So ist es kaum verwunderlich, dass die Frau als Motiv immer wieder in verschiedenen abstrahierten Darstellungen in ihren Werken auftaucht, umgeben von einer Farbpracht, die charakteristisch ist für ihr Schaffen und die den Motiven ihre Schönheit und Würde verleiht.

Die Kunst von Lúcia Hinz verbindet starke und freie Linien mit glänzenden und heiteren Farben. Mit Eleganz und Demut, sowie einer einzigartigen Formensprache schafft Sie beharrlich Bilder einer Frau, die weiß was sie will. In ihren Werken spürt der Betrachter Selbstbewusstsein, Schönheit, Rhythmus, Eigenständigkeit und Freude. Ihre Figuren vermitteln lebendige und intensive Leidenschaft, zugleich sind sie rein und unschuldig. Lúcia schafft eine Poesie der Farben und läßt uns fühlen, dass Glück und Frieden in der Einfachheit unseres Daseins liegen können. Probleme werden abstrahiert und auf diese Weise Ausdruck des Triumphes einer Frau, die fähig ist für ihre Ziele zu kämpfen.

Text: Katiuscia Czakaj, Kultur und Medienwissenschaftlerin

Eine wunderschöne Ausstellung, die uns in den dunklen Wintermonaten wieder viel Lebensfreude verleiht!

Wie immer findet diese Ausstellungseröffnung ihren Beginn mit einem klassischen Konzert. Karolina Tomaszewska und Efe Gerdanoglu spielen am Klavier Werke von Wolfgang Amadeus Mozart und Frédéric Chopin. Ein Klanggenuss, den Sie auf keinen Fall verpassen sollten!

12. Januar 2019

Musikstudio und Galerie: Gabriele Paqué
Blücherstraße 14
53115 Bonn

Die Künstlerin ist anwesend

15:30 Uhr: klassisches Konzert

mit Karolina Tomaszewska und Efe Gerdanoglu am Klavier. Eintritt frei – Spende erbeten!
Weitere Informationen zum Konzert finden Sie weiter unten.

–

Einführungsvortrag von Dr. Uwe Kaestner (ehemaliger deutscher Botschafter Brasiliens) und Gespräch mit der Künstlerin
um 17 Uhr

Danach Rundgang mit der Künstlerin durch die Ausstellung

Werke der Ausstellung

Konzert
15:30 Uhr

Karolina Tomaszewska und Efe Gerdanoglu

Programm:

Efe Gerdanoglu spielt

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)
Klaviersonate in F-dur, K.332

– Allegro
– Adagio
– Allegro assai

Frédéric Chopin (1781-1829)
Polonaise in As-Dur op.53

– Andantino moderato
– Thème avec variations

Karolina Tomaszewska spielt

Frédéric Chopin (1781-1829)
24 Préludes, op. 28 – Nr. 13 – 24

– Lento
– Allegro
– Sostenuto
– Presto con fuoco
– Allegretto
– Molto allegro
– Vivace
– Largo
– Cantabile
– Molto agitato
– Moderato
– Allegro appassionato

Eintritt frei. Um eine Spende für die Musiker wird gebeten!

Lúcia Hinz

Foto: Renate Zehe

Lúcia Hinz wurde 1957 in Caicó, Rio Grande do Norte (Brasilien) geboren und lebte zunächst im Nordosten Brasiliens, dann in Rio de Janeiro und São Paulo. Sie widmet sich seit ihrer Jugend der Kunst und verbindet diese mit Solidarität, indem sie sich mit ihrer Arbeit immer wieder tatkräftig für die Rechte und die Verbesserung von Lebensbedingungen Benachteiligter einsetzt.
1989 kam die Künstlerin nach Deutschland, lebte mit ihrer Familie zunächst in München und Aachen und seit 1996 in Belgien, wo sie die  “Académie des Beaux-Arts” de Verviers besucht hat. Für ihre Bemühung um eine brasilianisch-belgische Annäherung wurde Lúcia durch den damaligen brasilianischen Botschafter in Belgien, Herr Jeronimo Moscardo, zur Botschafterin der „Partizipierenden Diplomatie“ ernannt.
2007 wurde sie als“ verewigtes Mitglied der Brasilianischen Akademie der Bildenden Kunst“ von Rio de Janeiro berufen. In 2008 wurde sie Mitglied der FALASP – Federação das Academias de Letras e Artes do Estado de São Paulo / Brasilien. In 2010 – wurde sie in den akademischen Grad im Stuhl Nummer 37, des brasilianischen Bildhauers Antônio Francisco Lisboa “o Aleijadinho” erhoben.
Gegenwärtig bewegt sie sich zwischen Belgien, Deutschland und Brasilien, wo sie ihre künstlerische Arbeit mit einer Vielzahl von Ausstellungen erfolgreich fortführt. Gleichzeitig förderte und beteiligte sich die Künstlerin in den letzten Jahren an zahlreichen Aktionen unterschiedlicher Hilfsprojekte in verschiedenen Ländern. Ihr Wunsch ist es, auf diese Weise zur Verbesserung der Lebensbedingungen von Frauen und Kindern beizutragen, u.a. als Botschafterin des Projektes „Arte Solidária“ de Florianópolis für Deutschland.

Ihr  bekanntestes Werk ist, “Capital da Cultura”, erschaffen für die Nationalbibliothek in Brasília, einem Bauwerk des brasilianischen Architekten Oscar Niemeyer.

Ausstellungen

Einzelausstellungen (Auswahl):

• • 1986
    • Rathaus Palmeira dos Índios/AL, Brasilien (Individuell)

• • 1987
    • Freyer Hotel Plaza, Arapiraca/AL, Brasilien (Individuell)

• • 1998
    • Atelier Cecilia Mazon, Campinas/SP, Brasilien (Gast)

• • 1999
    • Atelierausstellung, Verviers, Belgien (Individuell) • Kohlezeichnungen, Obersgegen, Deutschland (Individuell)

• • 2000
    • Kornelius-Galerie, Aachen, Deutschland (Individuell) • Initiative + Organisation mit der VHS/AK “Frauen verbinden Welten”. Ausstellung und Auktion “Künstler für Mosambik”, Altes Rathaus Aachen- Würselen, Deutschland (kollektiv)
    • Benefizausstellung euregionaler Künstler zu Gunsten des Kindermissionswerkes, Aachener Fenster, Aachen, Deutschland (kollektiv)
    • Bienal de Artes Visuais, São João da Boa Vista, Brasilien (kollektiv)
    • Salão de Arte, Mogi Mirim/SP, Brasilien (kollektiv)

• • 2001
    • Atelierausstellung, Verviers, Belgien. (Individuell)
    • Projekt mit bemalten Schürzen für die TV Sendung Amaury Junior (kollektiv)
    • Festival des Arts Plastiques, Spa, Belgien. (kollektiv)
    • République Libre du Moulin, Polleur, Belgien. (kollektiv)

• • 2002
    • Messe “SHK 02” Hamburg, Deutschland, Stände: Kermi + Kaldewei (Individuell)
    • Chio – Aachen, Stand der Stiftung “Fundação Pavel”, Deutschland (Individuell)
    • Galerie D’art de L’office du Tourisme, Spa, Belgien (kollektiv)

• • 2003
    • Kunstprojekt Villa Dr. Gschossmann, Regensburg, Deutschland (Individuell)
    • Internationale Messe “Bau 03”, Stand: Firma “Meisterleisten”, München, Deutschland (Individuell)
    • “13. Tourismus-Messe” ATC Eupen, Belgien. (Individuell)
    • Internationale Messe “ISH 03”, Stände: Kermi, Arbonia + Kaldewei, Frankfurt, Deutschland (Individuell)
    • U.B.S (Union Banque Suisse), Luxemburg, org. spirit-of-paintings (Individuell)
    • Indozuez Bank, Luxemburg, org. spirit-of-paintings (Individuell)
    • Svenska Bank, Luxemburg, org. spirit-of-paintings (Individuell)

• • 2004
    • Brasilianische Kunst in “La Tentation”, Centro Galego in Brüssel, Organisation ACBB – brasilianischer Kulturverband in Belgien (Individuell)
    • Messe “SHK 04”, Stände von Kermi + Arbonia + Kaldewei, Essen, Deutschland (Individuell)
    • Zankl – Die Einrichtung, in Regensburg, Deutschland. (Individuell)
    • “Kunst triff Mode” Einführung der Schumacher Kollektion, Boutique “Bella Donna”, Weiden, Deutschland. (Individuell)
    • Internationale Messe “Drupa 2004”, Stand des amerikanischen Unternehmens “Sun Chemical”, Düsseldorf, Deutschland. (Individuell)
    • Eerste Europeische Bank Kirchberg, Luxemburg, org. spirit-of-paintings (Individuell)
    • Ausstellung in der Galerie Marcantonio Vilaça, anlässlich der Einweihung der Räumlichkeiten “Darcy Ribeiro” der brasilianischen Botschaft, Brüssel, Belgien (kollektiv)

• • 2005
    • Wesimmo Rue M Rodange Luxemburg, Org. spirit-of-paintings (Individuell)
    • Hôpital Centre ORL, Rue Gare Esch, Luxemburg, Org. spirit-of-paintings.
    • Lloyds TSB Bank Monterey, Luxemburg, Org. spirit-of-paintings (Individuell)
    • Colour Wins 2, Org. PR Brazilian Fine Art, Temporary Art Centre Eindhoven, Niederlande (kollektiv)
    • Ausstellung in der Galerie Marcantonio Vilaça, brasilianische Botschaft, Brüssel, Belgien (Individuell)

• • 2006
    • “Fair d’art woon en leef-genot” (Kunstmesse: Lebensfreude) Org. Galerie “Een Roos op de Rots” Eindhoven, Niederlande. (Kollektiv)
    • Teilnahme an einer Auktion zu Gunsten der Kampagne “Kampf gegen den Krebs” Schloss Maurick, Dijk van Maurick, Vught, Niederlande (kollektiv)
    • Ausstellung in der VIP-Media-Lounge der brasilianischen Nationalmanschaft zur WM-2006, in der Villa Borgnis, Königstein, Org. Carla Kröger-Rocha “Arte Brasil”, Deutschland (Individuell)

• • 2007
    • Ausstellung des Mannequins “Collorida“ auf der “Fespa 2007” am Stand des amerikanischen Unternehmens Sun Chemical, Berlin, Deutschland (Individuell)
    • Ausstellung “Brasilidades” “Salão Nobre vom Schloß Barrocal do Inatel, Évora, Portugal (kollektiv)
    • Leitung eines Kunst-Workshops “Descubra o Brasil” (Lerne Brasilien kennen) in Zusammenarbeit mit der ASBL “Miteinander teilen“, Kelmis, Belgien (kollektiv)

• • 2008
    • Ausstellung auf der Internationale Messe: “Drupa 2008”, Stand des US-Unternehmens Sun Chemical, Düsseldorf, Deutschland (Individuell)
    • Übergabe des Gemäldes “Hauptstadt der Kultur” zur Eröffnung der Nationalbibliothek von Brasilia, Brasilien (Event)

• • 2009
    • Ausstellung “Magische Moment“ in der “Nationalbibliothek“ von Brasília, eine Hommage an den brasilianischen Architekten Oscar Niemeyer, Brasília, Brasilien (Individuell)
    • Kunstprojekt für den Start der Kampagne „Pomp“ auf dem Stand des US-Konzerns Sun Chemical, in Zusammenarbeit mit dem Unternehmen group4fair auf der Messe „LabelExpo“ in Brüssel, Belgien (Individuell)
    • Teilnahme an der Veranstaltung “Elite Corpo Arte” zu Gunsten des Kinder-Krebs-Krankenhauses „GRAAC“ in São Paulo, Brasilien (kollektiv)
    • Ausstellung zur Einführung des Volvo XC60, Freiburg, Schweiz (Individuell)

• • 2010
    • Ausstellung im brasilianischen Generalkonsulat – „Projekto Panorama Brasil em Movimento Frankfurt“, Deutschland (kollektiv) • Eröffnung der „Galerie d’art Lúcia Hinz“ – Alsdorf- Deutschland (kollektiv)
    • Teilnahme an die Retrospektive „Hommage an die Förderer der Künste“ Lívia Bucci, Galeria Spazio Surreale, São Paulo, Brasilien (kollektiv)
    • Ausstellung Elite Arte, Galeria Spazio Surreale, São Paulo, Brasilien (Kollektiv)

• • 2011 • Ausstellung Projekt “Artibus” – Burg Stolberg, Deutschland (Kollektiv)
    • Ausstellung im Terracottasaal der Burg Kronberg, Deutschland (Kollektiv)
    • Ausstellung EVBK- Europäische Vereinigung Bildender Künstler aus Eifel und Ardennen e.V. und der Stadt Prüm, Deutschland (Kollektiv)
    • Dauerausstellung in der Galerie “Fine Art”, Prüm, Deutschland (Kollektiv) • Dauerausstellung in der Galerie “Le temps des artist” Montmartre, Paris, Frankreich (Kollektiv)
    • VIII Kunstversteigerung 2011- Rotary Club – Pato Branco, Brasilien (Kollektiv)
    • Ausstellung zum “Festival Brazil” – Thon Hotel Bristol Stephanie – Brüssel, Belgien. (Kollektiv)
    • Ausstellung in der Galerie EVERARTS – Paris, Frankreich (Kollektiv)

• • 2012
    • Ausstellung im brasilianischen Generalkonsulat – Frankfurt – Deutschland (Individuell)
    • IX Kunstversteigerung 2012- Rotary Club – Pato Branco, Brasilien (Kollektiv)
    • Eröffnung Galerie d’art Lúcia Hinz – Porto de Galinhas – Pernambuco – Brasilien

• • 2013
    • Ausstellung im brasilianischen Honorarkonsulat – Düsseldorf – Deutschland (Individuell)
    • X Kunstversteigerung 2013- Rotary Club – Pato Branco, Brasilien (Kollektiv)

• • 2014
    • Teilnahme – X Biennale d’arte internazionale di Roma (kollektiv)
    • Ausstellung – Bank Sparkasse Düren / Langerwehe – Deutschland (Individuell)
    • XI Leilão de Artes – Rotary Club – Pato Branco, Brasilien (kollektiv)
    • Kurator und Teilnahme des Festival Art Open – Eschweiler, Deutschland (Event)

• • 2015
    • Ausstellung – Cores do Brasil – Stadt Aachen – Deutschland Fachbereich Soziales und Integration Nadelfabrik (Kollektiv)
    • Ausstellung – Starke Frauen – 100 Jahre Dorli Schindel – Bonn (Individuell)
    • Ausstellung – “Farbe und Bewegung“- Altius Verlag, Erkelenz (Individuell)

• • 2016
    • Kurator und Teilnahme des Festival Art Open – Eschweiler, Deutschland (Event)
    • XIII Leilão beneficente de artes – Rotary Club – Pato Branco, Brasil – Paraná (Kollektiv)

• • 2017
    • Ausstellung – Viajando no tempo – In “living kitchen” im apartment Colônia – Mülheim – Deutschland – DBG – Sociedade Brasil-Alemanha (Individuell)
    • XIV Leilão beneficente de artes – Rotary Club – Pato Branco, Brasil – Paraná (Kollektiv)
    • Ausstellung – Brasil Art & Latin Specials – 30works Galerie I – Köln, Deutschland
    • Ausstellung – Cores da Esperança – Galleria Lebensart Galerie – Koblenz, Deutschland (Individuell)

• • 2018
    • Brasilianische Kulturmesse – Köln (Event)
    • Ausstellung – Summerbreeze – 30works Galerie – Köln, Deutschland (Kollektiv)
    • Ausstellung – BEGEGNUNGEN – Rhens, Deutschland (Kollektiv)

• 2019
  • Ausstellung – „Tanz der Farben“ im Musikstudio & Galerie: Gabriele Paqué – Bonn, Deutschland (Individuell)

Soziales und kulturelles Engagement

Partnerschaft und Teilnahme bei verschiedenen Projekten, u.a.:

• • Mitglied-Gründerin der Bürgervereinigung der Anwohner von Pontal de Coruripe, AL, Brasilien.

• • Initiative + Organisation der Ausstellung und Kunstauktion “Künstler für Mosambik“ in Zusammenarbeit mit dem Verein “Frauen verbinden Welten”. Unterstützung der Organisation “Ärzte ohne Grenzen” Aachen, Deutschland..

• • Teilnahme an der Ausstellung zur Unterstützung des Projektes Kindermissionswerk, in der Galerie „Aachener Fenster“ Aachen, Deutschland.

• • Schenkung des Kunstwerkes “A Menina Lá da Praia” an die Stiftung „Eurafrika“ der Princess Rose Paula Iribagisa Mwambuza / Burundi, Brüssel, Belgien

• • Spende von zehn „Kunst-Schürzen“ für ein Projekt der TV-Show Amaury Junior, São Paulo, Brasilien.

• • Schenkung mehrerer Kunstwerke für die Projekte der „Stiftung Pavel“ Aachen, Deutschland

• • Unterstützung für das Projekt SOS-Kinder in Partnerschaft mit Frau Uli Koller und der Boutique Bella Dona in Weiden, Deutschland

• • Schenkung des Bildes „Capital da Cultura“ (Kulturhauptstadt) an die „Nationalbibliothek“ Brasilia, Brasilien Projeta na década de 80 pelo mestre Oscar Niemeyer, Brasília, Brasil

• • Schenkung zweier Bilder an die (ACBB) „Associação Cultural do Brasil”, Brüssel, Belgien.

• • Schenkung des Werkes “No meio do caminho“ an das Projekt der Stiftung „Schloss Stichting van Dijk Maurick Maurick“, Vught Niederlande, Unterstützung  einer Kampagne gegen Brustkrebs.

• • Schenkung des Bildes “segredo feminino” an das Museum des Parlaments von Sao Paulo-SP, Brasilien

• • Schenkung des Bildes “Transparência” zu Gunsten des brasilianischen Karnevals, organisiert durch „Circulo Brasileiro von Köln“ / Köln, Deutschland.

• • Spende der Kunstwerk “Ella sem fronteiras” zu Gunsten des Kinder-Krebs-Krankenhauses „GRAAC“ in Sao Paulo-SP, Brasilien

• • Schenkung des Kunstwerkes “Passeio nas Nuvens“ an das Generalkonsulat von Brasilien in Frankfurt, Deutschland

• • Schenkung des Kunstwerkes “segredo feminino…” an das Divine Institut des Arts et Cultur für die Gründung einer Bibliothek in der Favela Tiradentes – São Paulo.

• • KölnBall 2015 – Spende der Kunstwerk “Música no ar” zu Gunsten des Kinder-Krebs-Krankenhauses AG Experimentelle Onkologie“ im Kinderkrankenhaus Amsterdamer Straße.

• • KölnBall 2016 – Spende der Kunstwerk “E a vida continua” zu Gunsten des Kinder-Krebs-Krankenhauses AG Experimentelle Onkologie“ im Kinderkrankenhaus Amsterdamer Straße.

• KölnBall 2017 – Spende der Kunstwerk “Tanzend im Regen” zu Gunsten des Kinder-Krebs-Krankenhauses AG Experimentelle Onkologie“ im Kinderkrankenhaus Amsterdamer Straße. (Event)

Lebensläufe der Musiker

Efe Gerdanoglu  wurde in İzmir, Türkei  geboren. Im Alter von 15 Jahren begann er auf Anraten seines Onkels, eines Geigenlehrers, Klavier zu spielen, bei dem er dann ein Jahr lang Klavierunterricht nahm. Es folgten drei weitere Jahre Klavierunterricht an der städtischen Musikschule. Für seine weitere akademische Ausbildung zog Efe Gerdanoglu nach Deutschland, wo er seit 2015 an der Kölner Musikhochschule in der Klasse von Prof. Sheila Arnold seinen Bachelor Studiengang absolviert.

Die 25-jährige Karolina Tomaszewska wurde in Polen geboren und begann im Alter von 7 Jahren Klavier zu spielen. Sie studierte an der Fryderyk-Chopin-Musikuniversität bei Prof. Edward Wolanin. Sie studierte an der Internationalen Musikakademie Anton Rubinstein in Düsseldorf bei Prof. Dina Yoffe. Zur Zeit studiert sie an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln in der Klasse von Prof. Sheila Arnold.
Sie ist eine Preisträgerin vieler polnischer und internationaler Wettbewerbe. Sie wurde mehrmals ausgezeichnet – unter anderem: zweiter Preis beim Internationalen Klavierwettbewerb American Protégé (2015), erster Preis und der absolute Gewinner beim Internationalen Musikwettbewerb in Corato (2014), dritter Preis beim Internationalen Klavierwettbewerb „Chopin Roma“ (2013) in Rom, dritter Preis beim Internationalen Chopin-Klavierwettbewerb in Mariańskie Łaźnie (2010), Sonderpreis beim Internationalen Klavierwettbewerb in Brest (2009), erster Preis beim Internationalen Mozart-Klavierwettbewerb in Frascatti (2007), zweiter Preis beim Internationalen Klavierwettbewerb in Barletta (2007) erster Preis beim Internationalen Klavierwettbewerb Miłosz Magin in Paris (2005), zweiter Preis beim Internationalen Klavierwettbewerb Marathon (2005), dritter Preis beim Wettbewerb für polnische Musik in Jelenia Góra 2005.
Im Jahr 2009 nahm sie zusammen mit Edward Wolanin eine CD mit Werken von F. Chopin auf, die eine Ergänzung zum Buch “Wieczorynki z Fryderykiem” (Der Abend mit Fryderyk) ist. Die Publikation wurde vom Fryderyk Chopin Institute in einem Wettbewerb für Chopins Bildungspublikation zum 200. Geburtstag des Komponisten ausgezeichnet. Im Jahr 2010 wurde Karolina zur Vorrunde des XVI. Internationalen Chopin-Wettbewerbs in Warschau zugelassen. Sie nahm an internationalen Meisterkursen mit Kevin Kenner, Karl Heinz Kämmerling, Philippe Entremont, Michel Beroff, André Boainain und Jacques Rouvier teil. Sie trat in Polen, Frankreich, Griechenland, Russland, Ukraine, Tschechien, Deutschland, Belgien, Holland, Österreich, Spanien, Italien, USA auf. Als Preisträgerin des Internationalen Klavierwettbewerbs American Protégé hatte sie 2015 ihr Debüt in der Carnegie Hall. Sie nahm an folgenden Festivals teil: Chopin Open, La Folle Journée Festival, Mazurkas des World Festivals, „Euregional Chamber Music Festival Maastricht 2014 ”, Internationales Festival„ Musikalischer Sommer-Malaga 2014 “.

Ich freue mich auf Ihr Kommen!
Herzlichst,

Gabriele Paqué

Hinweis Parken!
Parkmöglichkeiten in Bonn-Poppelsdorf, ca. 10 Gehminuten von der Blücherstraße entfernt! 

Ankündigung:
Das nächste Konzert findet am 02. Februar 2019 um 17 Uhr statt:
Ketil Haugsand spielt auf dem Cembalo die Goldberg-Variationen von J. S. Bach

By paqueklavier Montag, der 3. September 2018

Liebe Kunst- und Musikfreunde,

Am 8. September 2018 fand die Vernissage der Künstlerin Stephanie Binding statt, die ihre Ausstellung “Von Städten und Menschen” vorstellte. Zu sehen sind zahlreiche Bronzeskulpturen, die meist Menschen in alltäglichen Situationen darstellen, wie etwa ein Spaziergänger mit seinen Hunden oder Menschen, die auf einer Parkbank sitzen. Des Weiteren gibt es einige Skulpturen, die dem Betrachter einen ganz besonderen perspektivischen Eindruck vermitteln, wie etwa der Blick durch ein Kirchenschiff. Inspiriert von Caspar David Friedrich findet sich der Mensch als winzige Figur darin wieder, was die suggerierte Größe des Gebäudes hervorhebt. Eine wirklich beachtliche künstlerische Leistung!
Ferner sind auch Radierungen und Gemälde der Künstlerin zu sehen, die ebenso das urbane Landschaftsbild in den Vordergrund stellen. Die Natur des Motivs gewährt der Künstlerin immer wieder das Spiel mit der Perspektive zwischen den Häuserfassaden. In der Stadt – einer konzentrierten Form des menschlichen Lebensraums – trifft der Betrachter auf Menschen, die sich auf Parkbänken ausgelassen unterhalten, ebenso wie auf dunkle Ecken, die man lieber nicht alleine bei Nacht betreten möchte.
Die Künstlerin malt, bzw. zeichnet nicht einfach von Fotos ab, sondern arbeitet viel mit Skizzen, die sie im Alltag von bestimmten Orten und Personen anfertigt und ansonsten dient ihr besonders die Erinnerung und damit ihr persönlicher Eindruck von gewissen Orten als Motiv für ihre Werke. So findet sich der Betrachter in Landschaften wieder, die durch das gezielter Zusammensetzen einzelner Motive einen introspektiven Einblick in die Vorstellung von Stephanie Binding gewähren, was sie jedoch durch die realistische Darstellungsweise, gegeben besonders durch die Natur des Mediums der Radierung, in einen Kontrast zum Motiv setzt. Die Malerei, bei der sie sowohl Acryl- als auch Ölfarben benutzt, gewährt der Künstlerin wiederum ganz andere Freiheiten, was die impressionistischen Elemente ihres Schaffens in den Vordergrund treten lässt.

Ein weiterer Höhepunkt der Vernissage war das Konzert von Sophia Aretz (Querflöte) und Jakob Wagner (Gitarre), die beide an der Musikhochschule in Düsseldorf studieren und als Duo bereits einige Erfolge zu verzeichnen haben. Zu hören waren unter anderem Stücke von Astor Piazzolla, Jacques Ibert, aber auch Franz Schubert. Wem die Kombination aus Querflöte und Gitarre seltsam erscheint, der wurde sehr schnell eines Besseren belehrt! Das gefühlvolle Zusammenspiel der beiden Musiker, die beide wissen, die Einzigartigkeit ihrer Instrumente zu einem Ganzen zu verbinden, ließ das Publikum in andächtiger Stille verharren, nur unterbrochen vom vielen Applaus zwischen den Stücken. Das Timbre der Querflöte, gepaart mit teils irrwitzig schnellen Passagen wechselte sich ab mit den eindrücklichen Klängen der Gitarre, die durch das große technische  und musikalische Geschick des Musikers einen wahren Klangteppich erzeugte.
Hinzu kamen die hochinteressanten Geschichten, die die Musiker über die Komponisten und ihre Werke zum Besten gaben, was dem Zuhörer eine gute Mischung zwischen den ekstatischen Klängen und informativem Inhalt bescherte.
Es wird sicherlich spannend sein, den weiteren Weg der beiden noch jungen Musiker zu verfolgen und ich kann jedem empfehlen, sich dieses Duo einmal anzuhören!

weitere Fotos

Video von der Vernissage

Presse

Liebe Kunst- und Musikfreunde,

Ich möchte Sie ganz herzlich zu der neuen Ausstellung “Von Städten und Menschen – Skulpturen, Malerei und Radierungen” von Stephanie Binding einladen.
Wie der Titel schon erraten lässt, widmet sich Stephanie Binding der urbanen Landschaft und zeigt mit ihren Malereien, Zeichnungen und Bronzefiguren einen introspektiven Einblick in das Antlitz eines Lebensraums, der von monumentalen architektonischen Gebilden dominiert wird. Doch ist nicht alles finster: Licht und Dunkelheit, Isolation und schallendes Lachen gehen hier von Straßenecke zu Straßenecke einher und so wird der Betrachter mit einer lebensnahen, wenn auch eindrücklichen Darstellung des urbanen Lebensraums konfrontiert.
Die 1978 in Aachen geborene Künstlerin studierte zunächst Architektur, bis sie sich im Jahr 2000 entschloss, sich voll der Kunst mit einem Studium zur Bildhauerei an der HfK Bremen unter Prof. Altenstein zu widmen. Unter anderem erlangte sie ein Erasmusstipendium an der Akademie der Bildenden Künste in Wien und nahm an der Meisterklasse für Graphik und druckgraphische Techniken unter Prof. Damisch teil, bevor sie dann 2007 ihren Studiengang an der HfK Bremen mit einem Diplom abschloss. Darüberhinaus wurde sie Meisterschülerin von Prof. Altenstein und ist seit 2008 Künstlerische Mitarbeiterin am Lehrstuhl für Bildnerische Gestaltung an der RWTH Aachen. Seit 2015 arbeitet sie in ihrem Atelier in Kettenis, Belgien.
Seit 2006 stellt Stephanie Binding in zahlreichen Einzel- sowie Gruppenausstellungen aus, u.a. in Aachen, Karlsruhe, Hamburg, Bremen, Berlin, Maastricht und Salzburg. Einige Arbeiten sind auch im öffentlichen Raum zu besichtigen. So gestaltete sie eine Figurengruppe für das Morgenstern-Museum in Bremerhaven, ein Tondo zur Odyssee Kaimauer in Vegesack sowie 2 Fassadenfiguren für das Rathaus Köln.

Wie immer findet diese Ausstellungseröffnung ihren Beginn mit einem klassischen Konzert. Sophia Aretz und Jakob Wagner spielen auf der Querflöte und der Gitarre Werke von Franz Schubert, Astor Piazzolla, Maura Giuliani, Máximo Diego Pujol, Mario Castelnuovo-Tedesco, Mike Mower und Jacques Ibert. Ein Klanggenuss, den Sie auf keinen Fall verpassen sollten!

08. September 2018

Musikstudio und Galerie: Gabriele Paqué
Blücherstraße 14
53115 Bonn

Die Künstlerin ist anwesend

15:30 Uhr: klassisches Konzert

mit Sophia Aretz an der Querflöte und Jakob Wagner an der Gitarre. Eintritt frei – Spende erbeten!
Weitere Informationen hierzu finden Sie weiter unten.

–

Interview mit der Künstlerin um 17 Uhr

Danach Rundgang mit der Künstlerin durch die Ausstellung

Werke der Ausstellung

Stephanie Binding

• 

  Foto von Jennifer Rumbach

  1978 in Aachen geboren

• 1998 Abitur
• 1999-00 Studium der Architektur an der RWTH Aachen
• 2000 Studium der Bildhauerei, Klasse Prof. Altenstein, HfK Bremen
• 2005-06 Erasmusstipendium an der Akademie der Bildenden Künste Wien
• Meisterklasse für Graphik und druckgraphische Techniken, Prof. Damisch
• 2007 Diplom an der HfK Bremen
• 2008 Meisterschülerin von Prof. Altenstein
• seit 2008 Künstlerische Mitarbeiterin am Lehrstuhl für Bildnerische Gestaltung, RWTH Aachen
• seit 2015 Atelier in Kettenis, Belgien

Auswahl Einzelausstellungen bis heute

• 2010 Merk Fink und Partner, Aachen
• 2010 „Radierungen“ BBK Galerie Aachen
• 2010 „Menschenbilder“ Kunstverein Osterholz, Osterholz mit Annegret Kon
• 2011 „Rencontre“, Galerie Gavriel, Bremen mit Annegret Kon
• 2011 Wagner Kunstmanagment, Hamburg
• 2011 Modern Art Gallery Karlsruhe
• 2012 Galerie Incontro, Eitorf
• 2013 Kulturverein Burscheid
• 2014 Neuhauser Kunstmühle, Salzburg

Auswahl Gruppenausstellungen bis heute

• 2013 Art Karlsruhe Neuhauser Kunstmühle, Salzburg
• 2013 „Skulptur und Skizze“ BBK Galerie, Aachen
• 2013 “Faszination Kunst” , Abdij Rolduc, Kerkrade
• 2013 „Full Hause“ Galerie Heidefeld und Partner, Krefeld
• 2013 „KuBo Show“ Herne
• 2013 „Druckgrafik“ Neuhauser Kunstmühle, Salzburg
• 2014 Kunstroute Weser-Göhl, Maison art Pütz, Montzen, Belgien
• 2014 KunstTour 2014, 15. Maastricht Art Weekend, Maastricht, Niederlande
• 2014 „Stolberg goes Euregio“. Burggalerie Stolberg
• 2014 „Parkraum internationale Skulpturenmesse“, Düren
• 2015 Artibus Ausstellung, Burg Stolberg

Arbeiten im öffentlichen Raum:

• Figurengruppe für das Morgenstern-Museum, Bremerhaven
• Tondo zur Odyssee Kaimauer, Vegesack
• 2 Fassadenfiguren, Rathaus Köln

Konzert
15:30 Uhr

Sophia Aretz und Jakob Wagner–

Programm:

Máximo Diego Pujol (*1957)
Suite Buenos Aires

–  Pompeya
–  Palermo

Mauro Giuliani (1781-1829)
Duo concertant, op. 25

– Andantino moderato
– Thème avec variations

Franz Schubert (1797 – 1828)
Sonate für Arpeggione, D. 821

– Allegro moderato

Astor Piazzolla (1921 – 1992)
Histoire du Tango

– Café 1930
– Nightclub 1960

Mario Castelnuovo-Tedesco (1895 – 1968)
Sonatine

– Tempo di Siciliana

Mike Mower (*1958)
Suite for Flute and Guitar

– Finale

Jacques Ibert (1890 – 1962)
Entr’acte

Eintritt frei. Um eine Spende für die Musiker wird gebeten!

Sophia Aretz, 1996 in Mönchengladbach geboren, studiert Querflöte bei Prof. André Sebald. Im Bereich Querflöte, Klavier und Cembalo erhielt sie zahlreiche Stipendien der Deutschen Stiftung Musikleben, der Lyra-Stiftung, sowie Jahresstipendien der Bürgerstiftung Düsseldorf im Rahmen des Deutschlandstipendiums. Neben Sonderpreisen durch die Gretel-Sütterlin-Stiftung, die Stiftung Jugend & Schlösser und die Deutsche Stiftung Musikleben, erhielt sie fünffach den 1. Preis beim Bundeswettbewerb „Jugend musiziert“. Auf internationaler Ebene erhielt sie mit einem Flötenensemble den 2. Preis beim Flötenfestival bei Adams in den Niederlanden und einen 1. Preis beim Ensemblewettbewerb des Flötenfestivals in Freiburg. Die Deutsche Stiftung Musikleben hat ihr, über ein Stipendium und mehrfachen Sonderpreisen hinaus, im Jahr 2015 eine Konzertreise nach Luxemburg mit ihrem Bläserquintett „Molto Vento“ organisiert und finanziert. Derzeit ist sie erneut Trägerin des Deutschlandstipendiums 2017/18. Seit 2017 ist sie Mitglied der Jungen Norddeutschen Philharmonie, welches u.a. in der Elbphilharmonie debütiert hat.
Jakob Wagner, 1994 in Starnberg geboren, erhielt seinen ersten Gitarrenunterricht bei Peter Jermer an der Städtischen Musikschule Starnberg. Vertiefenden Unterricht erhielt er 2011 an der International Guitar Academy Koblenz. 2013 begann er sein Studium am Leopold-Mozart-Zentrum der Universität Augsburg bei Takeo Sato, bevor er 2014 in die Klasse Prof. Alexander Sergei-Ramirez an der Robert-Schumann-Hochschule in Düsseldorf aufgenommen wurde. Er komplettiert seine Ausbildung durch regelmäßige Meisterkurse bei Marco Tamayo, Ricardo Gallen, Paco Pena, Aniello Desiderio, Roland Dyens, Carlo Marchione, Franz Halasz, Judicael Perroy, Matteo Mela, Bill Kanengiser. Jakob Wagner ist Jugend Musiziert-Bundespreisträger und Stipendiat von Yehudi Menuhin Live Music Now. 2016 erhielt er das PROMOS-Stipendium für das Internationale Gitarrenfestival in Havanna, Kuba. Er war zudem Träger des Deutschlandstipendiums 2016/17. Seit dem Wintersemester 2016 studiert Jakob Wagner zusätzlich Anglistik, Amerikanistik und Germanistik an der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf. Für die Spielzeit 2016/17 erhielt er ein Engagement am Düsseldorfer Schauspielhaus. 2017 gewann er beim internationalen Hannabach Gitarrenwettbewerb in Augsburg den 3. Preis. Er hat im WS 2017/18 ein Erasmus-Semester bei Prof. Gérard Abiton in Paris studiert.

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Ich freue mich auf Ihr Kommen!
Herzlichst,

Gabriele Paqué

Hinweis Parken!
Parkmöglichkeiten in Bonn-Poppelsdorf, ca. 10 Gehminuten von der Blücherstraße entfernt! 

Ankündigung:
Das nächste Konzert findet am 22. September 2018 um 17 Uhr statt:
Nika Afazel und Antonios Selemidis spielen am Klavier
Werke von Franz Schubert und Johannes Brahms